...repose to life

Stranger than paradise (Più strano del paradiso) - Jim Jarmusch (1984)

2012-02-14T01:02:00.000-08:00

(Stranger than paradise)

Visto in DVD, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Una ragazza ungherese va a stare dal cugino a New York per una decina di giorni per poi andare a Cleveland dalla zia. In quei dieci giorni i due si guarderanno a mala pena in ghigna, rimarrà tutto il tempo in casa a guardare la tv e si lasceranno senza un cenno. Poi lui sentirà la mancanza di lei e andrà a trovarla con un amico. Una volta a Cleveland decideranno, tutti e tre, di fuggire in Florida.

Film di Jim Jarmusch estremamente jarmuschiano sin dal protagonista (Lurie è forse più il tipo del regista che non Tom Waits); poi ci sono le immagini fisse, il bianco e nero, i lunghi silenzi, la recitazione per sottrazione (per sottrazione is the new, non recitano quasi per niente), le storie sentimentali senza che nessuna emozione venga espresso, la noia che tende ad arrivare ad ogni scena intensa (e con scena intensa si intende i discorsi in ungherese della vecchia o le lunghe sequenze davanti alla tv).

Però questo è gradevole, al contrario del pessimo esempio di film indie intellettualoide che è “Permanent vacation” o il gradevole ma soporifero “Down by law”. Si questo è un film puramente jarmuschiano che sfrutta ogni silenzio e ogni scena fissa e riesce a mantenere comunque un certo ritmo e (cosa ancor più importante) una certa ironia. Il film, senza essere un capolavoro, diventa quindi assolutamente fruibile (giusto la prima parte rimane un tantino ostica da sopportare).

Hugo Cabret - Martin Scorsese (2011)

2012-02-13T02:02:00.000-08:00

(Hugo)

Visto al cinema.

Per cercare un messaggio nascosto dentro ad un automa, il piccolo Hugo Cabret, ruba strumenti e materiali al negozio di giocattoli di un Georges Mélies ormai vecchio, dimenticato e disilluso. Quando il ragazzo scoprirà chi è in realtà quel vecchio cercherà di aiutarlo a rivivere le glorie del passato.

Diciamo subito due cose sul 3D così non ci si pensa più. Scorsese sa come usare la terza dimensione e lo fa con il metodo classico degli “autori” (come fece Hitchcock ad esempio), ponendo spesso il centro della scena in secondo piano e mettendo in primo oggetti vari a fare da cornice dando un senso di rpofndotà anche ai dialoghi; poi utilizza spesso dei carrelli tra pareti strette, tra la folla di persone o nei cunicoli che proiettano decisamente all’interno della scena (la sequenza iniziale ad esempio); a questo proposito bisogna ammettere che questo 3D è il più coinvolgente ch abbia mai visto. Se fosse solo questo però sarebbe troppo poco, qui si parla di Scorsese; ed in effetti un paio di idee nuove le ha, da una parte la proiezione in 3D della luna di Mélies che esce dallo schermo in maniera incredibile dando un nuovo e moderno effetto sorpresa ad un’idea che 100 anni fa stupì il mondo; in secondo luogo in due occasioni sfrutta il 3D come effetto straniante (nell’avvicinarsi a Kingsley sul palco alla fine del film) o per dare un maggiore senso di claustrofobia (nel primissimo piano di Baron Cohen che parla con i due ragazzi in stazione) riuscendoci benissimo. Complessivamente ottima fattura, ma troppo poco per essere Scorsese.

Detto ciò devo ammettere che mi sono avvicinato al film con le peggiori sensazioni possibile. Sarà stata l’idea di un film per bambini fatto da Scorsese (no) o sarà stato uno dei trailer più brutti che ricordi (si), ma proprio non mi aspettavo un granchè; e invece…
Scorsese crea il suo film più autobiografico (il ragazzetto innamorato del cinema è quasi un paragone scontato) e cinefilo di sempre e reinterpreta il concetto di fil, per ragazzi come un film didattico sulla storia del cinema per avvicinare i ragazzi ai film muti e (più ampiamente) all’idea che essi portarone nel cinema, come mezzo per realizzare visivamente i sogni. La storia del mistero che circonda il padre del protagonista è solo un McGuffin che viene presto accantonato (e che nel finale si rivelerà non esistere nessun mistero) per parlare di Mélies e tutto ciò che ne è venuto dopo. Viene presentanto il cinema come viatico della fantasia e ne vengono mostrati pezzi in esempio; e questo è a mio avviso la parte più emotiva del film, credo che Scorsese si sia entusiasmato all’idea di mostrare dei film muti ad una platea del 2012 facendoli passare per una storia d’avventura (personalmente poi la sequenza in cui i ragazzi leggono la storia del cinema e le immagini sono un collage dei grandi film muti da The great train robbery a Intolerance è stata realmente entusiasmante). Scorsese poi non si accontenta di dire ad alta voce cosa gli piace, ma ne mostra l’attualità citando direttamente o indirettamente intere sequenza; e questo lo fa senza l’arroganza del cinefilo snob che cita per gusto della citazione e per vedere chi lo capisce; no, Scorsese prima mostra la sequenza di Harold Lloyd appeso all’orologio e poi lo fa fare al protagonista, prima mostra L’arrivo del treno e poi lo reinterpreta in chiave moderna mostrando cosa ne vien fuori se lo si fosse fatto con il 3D. Infine Scorsese si lancia nel far vedere che l’arte di dar vita ai sogni fu realmente qualcosa di sui generis, un mondo a parte con regole e logiche tutte sue (e tutte sorprendenti), mostra infatti dei possibili backstage di alcuni film di Mélies, mostrandone i trucchi e le motivazioni (elegante l’idea di fotografarli con i colori pastello dei film colorizzati dell’epoca).

Si insomma, Scorsese ha creato un bignami sul chi, cosa e perché del cinema del muto, mettendoci dentro tutta la parte emotiva che lui stesso deve aver provato; tutto in favore dei ragazzi a cui il film è principalmente rivolto.

Ah si, poi il film si segue da dio, fotograficamente e scenograficamente opulento, ma senza sforare nel kitsch. Si insomma un buon film in se, con uno scopo pedagogico di fondo.

Cloverfield - Matt Reeves (2008)

2012-02-10T02:49:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD. Si è vero che JJ Abrams è il produttore, ma ci scommetto che ha fatto anche di più. Lo stile della storia, il lancio mediatico alla Lost, la regia con camera a mano, sembrano tutte venire da li… vabbè son supposizioni.
In ogni caso la storia è il classico attacco da parte di una creatura mostruosa a New York, con gente macellata a uso ridere e grattacieli spaccati. Il focus della questione però, non è la storia, ma il punto di vista. Il film è la registrazione in presa diretta di un tizio con una videocamera (che vince il premio come voce narrante più irritante degli anni ’10) che registrava una festicciola d’addio che si trasforma in una stupida carneficina (stupida, perché è sciocco il motivo per cui muoiono).

Diciamolo pure, il film è una figata. Bello, inquietante, empatico e sfrutta la macchina da presa in soggettiva in maniera intelligente. In primo luogo la camera a mano non irrita praticamente mai (come a dire che questo è "The Blair witch project" se "The Blair witch project" fosse stato realizzato bene); inoltre la soggettiva è utilizzata proprio come sarebbe usata nella realtà, non inquadra sempre quello che un film farebbe vedere, ma gli effetti (cioè, non tutto ciò che accade, avviene in favore dell’inquadratura che spesso ne rileva solo gli effetti), e questo è utilizzato in maniera completamente funzionale alla storia.

Poi la questione pubblicitaria è un’idea fantastica. I personaggi hanno profili di myspace che non sono più aggiornati dal giorno dell’attacco a New York; il sito ufficiale del film mostra alcune foto di quanto avvenuto e delle cause (che nel film non vengono mai dette!) per cui è avvenuto creando anche connessioni interne al film stesso (la compagnia giapponese per cui dovrebbe lavorare il protagonista è stata la causa stessa del disastro).

Se non c’è JJ dietro a tutto questo…

Léon - Luc Besson (1994)

2012-02-09T02:23:00.000-08:00

(Id)

Visto in DVD.

Per la storia, cliccare forte qui.

Personalmente provo un grande rispetto per Besson e questo a priori, senza aver mai visto un suo film. Ora ne ho visto uno, che credo sia anche uno ei più famosi… direi che il rispetto è notevolmente diminuito.
Le sequenze iniziali sono da urlo. Niente di originale, c’è il solito killer su commissione che è un ninja, si nasconde nell’ombra, si aggrappa sotto le scale, danza tra le pallottole e uccide tutti. Poi viene presentanta la ragazzina e l’antagonista insieme, altro bel momento dove si mettono in chiaro diverse regole base di un film del genere, lei sfigata oltre ogni dire, ma tanto buona; il cattivo abilissimo, degno rivale del protagonista maschile. E a questo punto aggiungerei pure che ci si impegna nel caratterizzare i personaggi in maniera equidistante fra archetipo base e tocchi di originalità, direi pure che il risultato è più che positivo…

Però poi è proprio qui che il film svacca. È evidente che non c’è una grande idea al di la del già mostrato in decine di altri film, mentre il punto di forza (rappresentanto dai personaggi) viene svilito in sipariette stupidi, esagerazioni caricaturali e in un poco empatico rapporto para-pedofilico che poco ha di apprezzabile. Non mi possono mostrare uno Jean Reno macchina da guerra indistruttibile che poi si mette a fare facce buffe a tavola, me lo sviliscono, ci sono altri sistemi per mostrarmi il suo diventare umano.

Se a questo ci si aggiunge che di scene d’azione ben congegnate ce ne sono poche (leggasi, non ne ricordo neppure una), allora tutto l’impianto viene buttato in vacca.

Quando hai dei bei personaggi che si rincretiniscono (o diventano terribilmente irritanti) in un attimo, quando hai una storia d’amore tra le più grottesche di sempre e scene d’azione che non sono d’azione il film è finito.

Shame - Steve McQueen (2011)

2012-02-07T02:07:00.000-08:00

(Id.)

Visto al cinema. La vita di un dipendente da sesso trascorre tranquilla fra rapporti mercenari (era una vita che volevo usare questa parola in un contesto sensato), sesso telematico e ripetute masturbazioni. Poi improvvisamente l’equilibrio viene rotto dall’arrivo della sorella, che limita i movimenti, scopre alcuni lati del problema e risulta costantemente provocante.

Diciamolo subito, il film è realizzato benissimo. Con una grande economia di dialoghi (a volte eccessiva, come nell’unico vero appuntamento di Fassbender dove la conversazione latita in maniera impensabile) e un gusto estetico enorme, ma mai sfacciato. A mio avviso McQueen non è un genio, ma sa assolutamente cosa deve mostrare e come lo deve mostrare. Ma la vera forza della regia è quel gusto alla Aronofsky di seguire pedissequamente il protagonista (era una vita che volevo usare questa parola in un contesto sensato), di mostrare Fassbender in quasi tutte le inquadrature e, per contro, di prevedere da parte sua una quasi totale impassibilità.
Dall’altra parte si ha un’interpretazione impeccabile da parte del protagonista, che, come detto, rimane per lo più impassibile per quasi tutto il film, concedendosi giusto una lacrima per la canzone della sorella ed un sorriso durante il suo unico vero appuntamento (dove ci sarà la sua unica defaillance che darà vita ad uno dei pochi momenti di palese disperazione). È nel finale però che tutto esplode; il continuo trattenersi di Fassbender è utile soprattutto perché si contrappone in maniera terribile con la lunga sequenza di disperata ricerca di sesso del finale, dove l’espressione dell’attore nel rapporto a tre è un misto di sentimenti negativi e di disgusto veramente impressionante. Basterebbe questa per l’applauso.

Infine la storia in se… beh qui è l’unica vera pecca. La storia non è malvagia e si accontenta di mostrare uno spaccato della vita del personaggio, ma costantemente (e soprattutto nel finale), si ha l’impressione che ci sia un obbiettivo, ma che non lo si riesca a vedere e quando arrivano i titoli di coda ci si chiede quale fosse il punto della questione. Probabilmente era solo un intento documentaristico, ma mi pare sia un po poco date le premesse. Inoltre l’asciuttezza dei diagoli cozza con qualche (ma non molte) lentezza di troppo. Infine, ultima pecca, alcuni rapporti sono funzionali, ma poco sviluppati, su tutti quello con la sorella (si intuisce un rapporto particolare, ma di fatto non viene né davvero sfruttato, né minimamente spiegato).

La bella e la bestia - Gary Trousdale, Kirk Wise (1991)

2012-02-06T01:01:00.000-08:00

(Beauty and the beast)

Visto in Tv. Ma che brutti film ho amato da regazzino?! Ma che brutti film ha fatto la Disney nel suo rinascimento?!
No perché fatta salva l’importanza di questo film per la bellezza dell’animazione e per essere stato il primo ad integrare l’animazione con il CGI (e lo fa benissimo come nella scena del ballo nel salone) per il resto è uno dei film più sciapi che ricordi.

I protagonisti sono banali e stupidi come pochi, le canzoni terribilmente uguali fra loro (e certamente molte sono state copiate da Les poissons) si salva giusto Beauty and the Beast, la storia in se non ha molti guizzi, mentre le caratterizzazioni, alcune scene e sketch sono copiati da “La sirenetta” (e alcuni in realtà verranno ripresi ne “Il re leone”)… l’unico vero motivo di interesse è per i comprimari. Mai come in questo film i personaggi secondari determinano il ritmo, l’andamento e anche la riuscita dell’opera. Non solo sono i personaggi più divertenti, ma anche i più interessanti, complessi e ben realizzati (comunque molto meglio costruiti dell’insipida protagonista femminile, che sembra una beghina con la faccia da vamp anni ’40); cosa sarebbe de La bella e la bestia se non ci fosse Lumiere? O la sua controparte Tockins? O quasi qualunque altro personaggio che non siano i principali.

Gradevole invece sentire come non fosse ancora usuale usare come doppiatori dei personaggi famosi che niente hanno a che fare con la recitazione; ed è buffo invece rendersi conto di quanto questo cartone sia debitore all’iconografia creata da Cocteau per il suo omonimo film.

Syriana - Stephen Gaghan (2005)

2012-02-03T01:40:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD. La storia proprio non saprei ripeterla… tipo succedono un sacco di cosa con tanti personaggi diversi attorno al passaggio di potere di un emiro (?) dell’Arabia Saudita (?) che deve scegliere fra un suo figlio sveglio e voglioso di autarchia utile al popolo e l’altro figlio debosciato e filo USA. Chiaramente parliamo di petrolio e chiaramente parliamo di spie e bancari.
Che dire, sembra un film di Innaritu, con 2000 personaggi diversissimi che stanno agli antipodi, fanno lavori diametralmente diversi e hanno storie personali opposte che alla fine si ritrovano tutti insieme nella scena finale.

In ogni caso della storia non si capisce un cazzo. Questa caratteristica mi piace anche in un film di spionaggio… però c’è un limite, non mi si può dire 18, complicatissimi, nomi a caso di uomini, città e compagnie petrolifere nelle prime scene e pretendere che dopo un’ora e mezza me li ricordi tutti e sappia pure chi sono. C’è un limite cazzo! (tutt’ora non ho capito da che parte stesse Clooney).

Detto ciò (che è motivo sufficiente per non vedere il film), va detto che la regia non è malvagia. Utilizza una macchina a mano il più controllata possibile, così da non renderla fastidiosa né inutilmente invasiva; ma come si può immaginare questo non è un motivo adeguato per fare un film del genere.

Inoltre la storia del ragazzo mussulmano che lentamente viene preso tra le maglie dell’estremismo è certamente ben realizzata e godibile, ma non centra proprio niente con il resto del film.

Frenzy - Alfred Hitchcock (1972)

2012-02-02T01:27:00.000-08:00

(Id.)

Visto in tv. Un uomo allo sbando viene raggiunto dal sospetto di essere lui lo strangolatore di donne che imperversa per Londra. Cercherà la fuga, la macchia e anche l’aiuto di un suo carissimo amico… peccato che proprio lui sia il vero serial killer…

Diciamolo subito, non è un capolavoro. Anzi proprio non è granché. Un film minore perché alla fin fine non racconta molto più di quel che mostra; non inventa niente di originalissimo e non intrattiene con lo stesso ritmo e la stessa classe dei film precedenti del regista (fino agli anni ’60).
Detto ciò bisogna però riconoscere che il film rappresenta il grande ritorno al mix tra thriller e humor in un insieme grottesco tipico dei film anni ’50 del regista. Su tutte la scelta di mettere il cibo al centro di tutto il film, dalle cene francesi (o la colazione inglese) dell’ispettore, la parca colazione della prima vittima, il camion di patate della seconda vittima o la vendita di verdure al Covent garden. Scelta piuttosto curiosa che crea diverse situazioni ironiche (le già citate cene dell’ispettore con la moglie, che sono forse le scene più divertenti del film) o grottesche con suspense (tutta la sequenza del secondo cadavere nel camion è un piccolo capolavoro i questo senso).

Inoltre i tocchi di classe alla regia non mancano. La già citata scena del camion è un lungo lavoro di montaggio; ma ciò che vince su ogni altra scena sono i due omicidi, tra loro collegati per la dicotomia che rappresentano. Il primo è un frenetico omicidio mostrato come mai prima nel cinema di Hitchcock, in maniera cruda e crudele con una macchina da presa che avvolge i protagonisti (questo film è in assoluto il più esplicito del regista inglese); il secondo invece è tutto lasciato all’interpretazione del pubblico, con una macchina da presa pudica che esce lentamente dall’appartamento, scende le scale e finsice in strada in un silenzio irreale. Una coppia di scene stupende.

Il film poi è particolare per l’estetica tipicamente anni ‘70, peggiore di tutte le precedenti. Non so se Hitchcock se ne accorse, ma sembra averla sfruttata per realizzare un film che, pur avendo una componente comica come si è detto, mantiene un mood complessivamente più sgradevole, più sporco, più tetro, meno upper class e patinato dei film precedenti.
Infine il cast. Qui bisogna proprio precisare che quest’ultima fase di Hitchcock creò un bel problema al regista che si ritrovò improvvisamente senza gli attori feticcio, perché troppo vecchi o ritirati (come Stewart e Kelly) o rapiti da altri registi (come la Bergman). Hitchcock quindi sceglie una rottura totale, prende solo attori di teatro, esteticamente mediocri, ma capaci.

Curioso infine, come il protagonista innocente sia complessivamente più antipatico (o quantomeno poco interessante) dell’antagonista, decisamente più brillante.

The iron lady - Phyllida Lloyd (2011)

2012-01-31T01:43:00.000-08:00

(Id.)

Visto al cinema. Un’anziana Margaret Thatcher, ormai affetta da una demenza che le fa apparire il marito morto da anni, in un paio di giorni (e un paio di notti di delirium) ripercorre la sua vita, politica e personale.

Di fatto non è un vero biopic. La Thatcher è solo un McGuffin per parlare della memoria, dei ricordi filtrati attraverso la demenza e dell’anzianità. Di fatto il film si concentra sulle turbolente notti di una donna ormai vecchia, ne descrive la lotta per sembrare normale, le difficoltà a ricordare il nome della badante e la facilità nel ricordare ciò che successe 60 anni prima; ed è proprio in quest’ottica che si attacca la scusa della biografia. Una donna anziana inciampa in continui ricordi di un passato perduto e da un dettaglio vengono fuori un fiume di fatti, più o meno connessi, più o meno ripetuti, che saltano gli eventi salienti a livello storico per sottolineare ciò che è stato realmente importante per chi li ha vissuti. Le Falkland sono ridotte alle scelte difficili che ha dovuto fare, la sua carriera politica ricorda qualche evento nazionale e molti scontri emotivi, la questione irlandese è accennata e Bobby Sands non è neppure nominato; perché il punto di vista è un altro, non è la storia, ma il racconto disordinato di una vita, fatto da chi quella vita l’ha vissuta e ora comincia a perderne dei pezzi a causa della malattia. In quest’ottica questo è un grande film.

A livello puramente agiografico poi, il film omette parecchio, e ciò che mostra lo fa vedere solo superficialmente; ma di fatto non prende posizione. Come nel migliore dei film il protagonista non è né buono né cattivo e la storia non ne sottolinea solo i pregi o i difetti. La trama però mostra una persona estremamente determinata, che proprio in virtù della sua testardaggine riesce a raggiungere i propri obbiettivi, per poi essere schiacciata da se stessa (e già una parabola del genere mi conquista). Inoltre c’è pura un sottotesto sulla carriera politica della Thatcher, in cui ogni sua scelta sembra poi avere una conclusione (felice o pessima che sia) solo in virtù del caso; dalla guerra al boom economico, tutto sembra succedere per botte di culo (o di sfiga) e che la Thatcher, in definitiva, abbia solo giovato del momento storico, in cui si inserisce perfettamente la sua personalità decisa.

Infine il film complessivo presenta diverse idee vincenti, dai colori dell’abito che cambiano con l’acuirsi dell’acredine della protagonista; alle incursioni della Thatcher anziana all’interno dei proprio ricordi; alle discussioni, dolci e divertenti insieme, con l’allucinazione del marito morto. Ma molte sono anche le occasioni sprecate, dalle lunghe sequenze biografiche che avrebbero potuto essere molto più mischiate con l’idea principale del racconto dell’anziana malata; al continuo concentrarsi sui dettagli della regia, che però durano troppo poco per poter essere notati; alla ripetitività e alla pretestuosità di molte scene.

Complessivamente non è un capolavoro, ma una intelligente via di mezzo tra un biopic canonico e “I’m not there”. Ci si astenga dal vederlo se quello che si vuole è conoscere la vita di Margaret Thatcher.

PS: veramente inutile dire quanto è brava Meryl Streep.

...e la Terra prese fuoco - Val Guest (1961)

2012-01-30T01:46:00.000-08:00

(The day the Earth caught fire)

Visto in Dvx. Questo si può riassumere come un film anni ’50 fatto negli anni ’60.
Un gruppo di giornalisti segue i test dell’ennesima bomba atomica statunitense, nel contempo apprende di un terremoto in siberia; non collegheranno le due cose fintanto che la temperatura a Londra (il film è inglese) non comincerà a raggiungere temperature impressionanti. Quando un tornado si abbatterà sulla città si renderanno conto che il terremoto in siberia era una bomba atomica russa esplosa nello stesso istante di quella americana… vuoi vedere che hanno fatto uscire la terra dalla sua orbita?....

Film apocalittico anni ’60 e per questo molto moraleggiante nel suo essere anti-atomico. Film inglese, e per questo molto più libero negli ammiccamenti sessuali.

Detto ciò, e sottolineando quanto sia stata condotta bene la trama fino al finale aperto (per essere più enfatico, moralizzatore e cristiano), posso anche dire che il film non è granché.

Non è granché essenzialmente per due motivi. In primo luogo perde troppe occasioni; inizia come un film di investigazione giornalistica che però viene mantenuta in secondo piano; può parlare di un uomo distrutto con la solita storia di riscatto personale nel dettaglio, ma preferisce ricostruirgli subito una vita; potrebbe mostrare con molta più efficacia le conseguenze dei cataclismi o dell’approssimarsi dell’apocalisse annunciata, ma preferisce tenersi un paio di episodi da college e non addentrarsi nell’argomento. Di volta in volta svicola ogni possibilità interessante.
In secondo luogo annaffia tutto con una storia d’amore. Il fatto che tutte le altre idee non siano sviluppate è perché si preferisce concentrarsi sul romanticismo. Il che è normale in questo genere di film, ma mai come in questo caso la storia d’amore è banale, prevedibile e distruttiva nei confronti della storia.

Frozen - Adam Green (2010)

2012-01-27T01:26:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD. Tre ragazzotti americani (lui, il suo migliore amico e la ragazza di lui… ovviamente questi ultimi due si odiano) vanno sulle piste da sci a divertirsi come non ci fosse un domani… quando scopriranno che il domani potrebbe none esserci realmente cominciano a dare di matto… no, seriamente, questo è il film che mi è sempre venuto in mente quelle 5 volte che ho preso una seggiovia, la domanda è semplice “Buon Dio! E se la seggiovia si fermasse qui che farei?!” poi mi rispondo sempre che aspetto i soccorsi e comunque su una seggiovia alta tre metri su una pista blu al massimo mi spezzo un’unghia. Ai tre ragazzo va peggio, è notte e nessuno sa che sono ancora li sopra e tutti spengono le luci, ci si rivede il prossimo weekend. Ovviamente arriveranno al panico e alle conseguenze più gore possibili.

Diciamolo l’idea è ottima, ma presenta il solito problema, il fattore Open water. Come intrattieni il pubblico con un film tutto ambientato in uno stesso, piccolissimo posto se hai pochissimi personaggi? Green azzecca bene l’inizio, caratterizza i ragazzi, crei conflitti striscianti e rapporti di forza che poi dovrebbero esplodere quando la crisi vera si concretizza (spoiler, non succede). E questo lo fa senza stancare, annoiare o affogare in dialoghi troppo idioti.
Poi arriva la crisi, tutti si chiedono che si fa, e anche Green se lo deve essere chiesto, e intrattiene con saggezza con scene splatter, danni fisici, dolore e morte inframmezzate da dialoghi che distendono la tensione (spoiler, non c’è tensione).
Ultimo inghippo il finale, che deve potare al massacro più ampio possibile, ma se non si vuol deludere il pubblico meno intransigente deve anche portare qualcuno alla sopravivenza in maniera assennata (spoiler, almeno i questo direi che Green riesce, mi ha dato fastidio come finale perché è inconcludente, ma ha senso).

Quindi direi che Green il compito lo ha portato a termine con attenzione… ma, c’è sempre un ma, il problema sono i lupi. Capisco il dubbio amletico del povero regista/sceneggiatore nel trovare un nemico che impedisca ai tre una fuga via terra, ma quegli Husky che sono appena stati lavati non inquietano e se ci si aggiunge una scena di aggressione tra le meno riuscite degli ultimi 150 anni, direi che proprio la credibilità di questa nemesi scende a zero.

Green si era messo in luce con quel pregevolissimo horror old style di “Hatchet”, fatto solo per me e per i nerd maniaci degli effetti speciali NON in CGI. Con questo Frozen voleva, probabilmente, avvertire che è un ggiovane in grado di fare un po tutto. Tutto sommato riesce, ma senza troppi entusiasmi. Andrà meglio la prossima volta.

Extras - Andy Millman (2005, 2006)

2012-01-26T01:27:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Gervais è un over quarantenne che decide di riciclarsi come comparsa (extra in inglese), in realtà questo dev’essere solo il trampolino di lancio per poter, un giorno creare il suo telefilm. Tra la sua amica scema e un agente praticamente ritardato durante la seconda serie riuscirà nel suo intento, ma il suo lavoro sarò radicalmente cambiato per trasformarlo in una sitcom idiota.
Telefilm inglese di stampo comico costruito da (e su) Gervais stesso, in cui, in ogni puntata viene invitata una guest star di notevole rilievo nel mondo dello spettacolo (di solito cinema) con una parte più o meno importante.

Quello che più va sottolineato è che qui c’è la comicità di Gervais (ideatore ed autore della serie). Io in realtà conosco questo autore adesso ("The office" mi ha sempre schifato a pelle e non intendo cambiare idea adesso), ma il suo stile è chiaro; con un ritmo sottotono presenta una galleria di perdente che o sono stupidi o sono arroganti opportunisti che si trovano immersi in un mondo uguale a loro (ora che ci pensa sembra di raccontare lo stile di De la Iglesia). La comicità scaturisce dall’imbarazzo in cui si trovano i suoi protagonisti e dai colpi di sfiga che gli capitano (si insomma siamo dalle parti di Fantozzi), con una sottigliezza ed una freddezza tutta british e una accanimento tutto particolare su tutto quello che politicamente scorretto.

L’altra caratteristica è l’utilizzo delle guest star per lo più presentate all’opposto di come appaiono normalmente e, in definitiva, speculari ai protagonisti, solo più fortunati.

Per avere un’idea di cosa intendo basti vedere la puntata numero 3 della prima serie, dove Gervais attacca religione e disabilità contemporaneamente e ci mette pure un poco di sfottò al business legato alla shoa; in più c’è la partecipazione straordinaria di Kate Winslet (fantastico che l’attrice ammetta di partecipare ad un film sull’olocausto perché è l’unico modo sicuro di vincere un oscar… e curiosamente vincerà un oscar 3 anni dopo proprio per “The reader”), assolutamente strepitosa, divertente e fuori dai soliti schemi. Decisamente una delle puntate migliori. Visto che ci siamo nella seconda serie su tutte vince la puntata numero 3 dove le partecipazioni straordinarie sono ben 3, Warwick Davis (che ovviamente sarà la vittima del razzismo strisciante dl protagonista), Daniel Radcliffe (nella parte di un ingrifato adolescentello che cerca di mostrarsi adulto) e Diana Rigg (che recita poche battute come controcanto a Radcliffe).

Gli inglesi sono fantastici perché odiano (come me) i telefilm lunghi, Extras ha due serie da 6 episodi l’una (più uno speciale di Natale che non ho visto).

Divorzio all'italiana - Pietro Germi (1961)

2012-01-24T01:10:00.000-08:00

(Id.)

Visto in VHS. Che film strepitoso.
Mastroianni è il conte Cefalù, uomo sposato con una donna irritante, ma affezionata (Rocca) e nel contempo innamorato della giovanissima cugina (Sandrelli) che gli abita di fronte. Quando scopre che il suo amore è ricambiato pensa a come possa consumare legalmente… ovviamente la moglie dovrebbe sparire. In quegli anni era ancora in vigore la legge numero 587 del codice penale, che da un importante sconto di pena per all’omicidio d’onore, quello perpetrato ai danno del coniuge se scoperto in flagranza di tradimento…

Film perfetto in ogni dettaglio.

La storia è scritta da dio, divertente, con il ritmo giusto e descrive dei personaggi caricaturali assolutamente credibili e completamente dettagliati. E di fianco ad uno svolgimento da commedia ci mette pure la denuncia sociale della grottesca legge sul divorzio italiano.
Il cast è in parte. Su tutti Mastroianni titaneggia con una recitazione al contempo macchiettistica, ma controllata, creando un personaggio che darà un colpo di grancassa (in Italia e all’estero) ai cliché sui siciliani (il tic lo decise lui ispirandosi a quello che aveva proprio Germi).

Infine la regia è strepitosa. Fa di tutto; rimanendo assolutamente classico nelle location e nell’uso della macchina da presa si prende ogni altra libertà gli venga in mente. È sufficiente guardare il rapidissimo incipit per capire cosa intendo (magnifico quando Mastroianni smette di pensare perché sua moglie lo guarda).

Uno dei film comici più belli che abbia mai visto.

PS: grande il successo anche fuori dall’Italia, il film vinse l’oscar per la sceneggiatura.

PPS: una delle prime parti per Lando Buzzanca.

La talpa - Tomas Alfredson (2011)

2012-01-23T02:28:00.000-08:00

(Tinker tailor soldier spy)

Visto al cinema. Ai vertici dell’MI6 pare che Karla (nome in codice del capo del KGB) sia riuscito a piazzare una sua talpa. Dico si vocifera perché ovviamente nessuno ne è sicuro e c’è chi sostiene che questa sia una storia messa in giro da Karla per far nascere il dubbio all’interno dei servizi segreti inglesi.
Storia di spie dunque e di guerra fredda. Direi che è decisamente il caso di prendere un block notes perché la storia è intricata di per se e resa ancor più ostica dall’utilizzo indiscriminato e nons egnalato in alcun modo dei flashback, per le continue dissimulazioni dei protagonisti e per la recitazione quasi sempre per sottrazione degli attori. Ma a me non piace un film di spie se lo capisco, vuol dire che era troppo semplice.

Il cast, credo si sappia anche questo, è fatto da ciò che di meglio offre l’inghilterra, tra gli attori più bravi e conosciuti (Firth e Oldman), attori bravi e appena nati (Hardy) e attori bravi che fanno parte della categoria “quello l’ho già visto in un altro film” (praticamente tutti gli altri).
Infine giungiamo alla vera novità, Alfredson. Il regista di “Lasciami entrare” non si muove di un millimetro. Rispetto al suo film rpecedente toglie solo la neve, poi tutto il gelo ambiente rimane, lo schematismo algido del mondo in cui si muovono personaggi più simili a spettri che provano sentimenti senza palesarli, che vengono messi di fronte a svolte epocali per le loro vite senza poter reagire, ecco tutto queto è esattamente la stessa nota distintiva del film sui vampire… ah già, qui non ci sono neanche i vampiri.

Alfredson crea una spy story che non prende quasi nulla dagli archetipi del genere, e mette invece i suoi personaggi standard sulla scena; crea un ambiente visivamente impeccabile e li fa agire senza mai fargli muovere un muscolo facciale, ricorrendo al sentimentalismo solo quando questo diviene utile al film, sia che venga espresso dagli attori (senza rivelare troppo si prenda ad esempio la scoperta, da parte di Oldman, del tradimento; o la minaccia di far tornare la spia in Russia), sia che venga espresso dalle scene stesse (il lungo finale con la canzone francese in sottofondo).

PS: il film tratto da un romanzo di Le Carré (che già era stato utilizzato per il grande e piccolo schermo) si vocifera sia stato ispirato a fati realmente avvenuti, dato che l’autore lavorò per l’MI6.

Matinee - Joe Dante (1993)

2012-01-20T01:24:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx.

John Goodman è un Roger Corman, un regista di horror di serie B, più sperimentali che riusciti, che gira l’america nella speranza di invogliare la gente a venire a vedere le sue opere. Nel frattempo c’è la crisi di Cuba e nella cittadina in Florida dove Goodman ha una prima si scatena la paure del nucleare. Perfetto per il regista che deve presentare “Mant”, un film su un uomo trasformato in un ibrido uomo/formica a causa di una esplosione atomica. Qui si intersecano le vite di una manciata di regazzini appassionati di film horror.

Film carino di un Dante ancora proiettato verso il genere “per ragazzi”, e in questo film più che creare una horror-commedia, vuole solo far prendere confidenza i più giovani con i filmacci horror anni ’50-’60 (più un progetto nostalgia non completamente riuscito).

Le storie dei ragazzi sono però consuete e non adeguatamente trattate, i giovani protagonisti sembrano una scusa per aumentare il minutaggio e sono stereotipati all’inverosimile svilendo l’intero film. Quello che si salva è il personaggio di Goodman, il solito, cinico, imbonitore da fiera, più ingegnoso della media, che si da da fare per sfangarla anche stavolta. Tutte le parti dove compare l’ingombrante regista, sono sequenze ben riuscite, anche sono ben poca cosa per permettere di salvare l’intero film. Ovviamente Goodman è perfetto a dare corpo al suo personaggio.

PS: l’idea di utilizzare l’elettricità nei momenti di tensione di un film per dare un “colpo” fisico nel momento dello spavento fu davvero utilizzata in quei gloriosi anni della serie B.

PPS: qui sotto il poster di "Mant".

Super 8 - J.J. Abrams (2011)

2012-01-19T01:53:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Come ho avuto modo di dire poco tempo fa, ci fu un tempo in cui al cinema facevano film per ragazzi senza considerarli dei decerebrati. Facevano film con adolescentelli per protagonisti che si comportavano come adolescentelli, senza sembrae degli adulti più bassi della media, o dei bambini superintelligenti, semplicemente dei ragazzi. Ecco il signor JJ ha voluto riproporlo.
Ecco, avverto che potrei anche averne una percezione alterata, un po per l’effetto Aspesi (l’aprrezzare senza motivi oggettivi solo le cose che sono uguali a tutto quello che si è visto quando si era ggiovani) e un po perché l’ho visto dopo diverse Leffe (e con diverse intendo due). Quindi non sarò del tutto affidabile.

Mymovies freme all'idea di descriverne la trama.

Come nei film Amblin tutti i ragazzi sono personaggi completi, con caratteristiche vere e proprie, o quantomeno un minimo di psicologia, dall’altra JJ utilizza metodi facili per creare pathos (come la storia d’amore fra i protagonisti), ma le esplicita proprio, quando nel film i ragazzi cercano un modo per aumentare la trama del loro cortometraggio. E poi JJ è uno che sa vendersi bene, ha imparato a memoria le regole base de “Lo squalo” e le utilizza con dovizia, in questo film (come credo succeda anche in “Cloverfield” che però non ho visto) sa quanto e quando deve mostrare, o non mostrare, dell’alieno durante lo svolgimento della trama, partendo da una sagoma indistinta fino all’astronave completa del finale (a dirla tutta il livello del film, secondo me, rimane altissimo fintanto che il mostro non viene inquadrato direttamente, una volta visto… beh come succede sempre la realtà mostrata non è mai interessante quanto tutte le alternative potenziali che uno si crea in testa).

Poi però Abrams non è solo un grande pubblicitario dei suoi prodotti, o solo uno che ha imaprato bene i trucchetti base per vendere al grande pubblico, né è solo un bravo regista di film accettabili. Abrams è anche uno che ha grande fiducia nel pubblico che guarda i suoi film e per questo si permette tocchi di classe notevoli. Tutto il lacrimoso incipit è semplicemente perfetto. Non viene detta nemmeno una parola, ma tutti i messaggi che devono essere veicolati (e sono diversi) vengono compresi (per esempio, il ciondolo, che non viene quasi mai accennato direttamente dai personaggi si capisce dall’inizio che è il ricordo della madre scomparsa). Poi l’uso dei dolly o dei carrelli che tanto mi piacciono solitamente nei film, vengono in secondo piano, perché JJ mi rispetta.

Tremo a dirlo, ma se avessi avuto 15 anni in meno e avessi visto questo film una domenica pomeriggio su italia uno, “I goonies”, per me, non sarebbero mai esistiti… (ok, forse sto esagerando).

PS: c’è pure un’importante pubblicità progresso contro le droghe. Perché marjuana e alieni, se assunti insieme, fanno male.

La lettera non spedita - Mikhail Kalatozov (1960)

2012-01-17T02:46:00.000-08:00

(Neotpravlennoye pismo)

Visto in Dvx. Tre geologi sono mandati in mezzo alla siberia più inesplorata alla ricerca di diamanti. Certamente se mandi tre uomini ed una donna nelle terre desolate è ovvio che lei amerà uno, ma un altro l’amerà di più… poi dopo indicibili sofferenze troveranno i diamanti, ma un incendio brucerà tutta la tundra che si possa immaginare, saranno costretti a fuggire, abbandonare la zona conosciuta, la radio si romperà e rimarrano soli in mezzo alla neve e al fuoco…

Tecnicamente fantastico come Kalatozov sa fare con piani sequenza continui, inquadrature enfatiche ricche di movimenti frenetici della macchina da presa, inquadrature da punti di vista meno scontati (per lo più dal basso), controluce su campi medi o lunghi ricchi d’effetto, primissimi piani evocativi e sovraimpressioni di fiamme sulle immagini fin dall’inizio del film, come ad anticipare quello che succederà più tardi. Dovendo dare un premio direi che la scena tecnicamente più azzardata e meglio riuscita sia il piano sequenza della caccia.
Dall’altro lato le ambientazioni sono perfette, un inno alla natura all’inizio che poi si trasforma in un inferno dantesco fatto di fuoco ed in una sorta di ambiente post-apocalittico quando l’incendio si spegne.

Peccato che il film sia eccessivamente enfatico fin dalle prime scene e complessivamente annoi più di quanto intrattenga. Ma esteticamente rimane imbattibile.

The artist - Michel Hazanavicius (2011)

2012-01-16T02:12:00.000-08:00

(Id.)

Visto al cinema. Nel 1927 un attore del cinema muto ha il suo momento di gloria. Incontra e lancia una giovane attrice, la quale si invaghisce di lui e gli rimarrà legata. Gli anni passano, arriva il sonoro, l’attore non riesce ad accettarlo, produce a sue spese un costosissimo film… ovviamente muto. Sarà un fiasco, verrà abbandonato e dimenticato, tranne che dalla ragazza da lui scoperta che nel frattempo raggiungerà l’apice della sua carriera. Quando le cose sembreranno ormai ridotte all’osso arriverà il geniale momento del rilancio.

Ovviamente tutti sanno che questo è un film tendenzialmente muto (salvo qualche rumore e pochissime parole nel finale, che tralaltro chiariscono il perché della reticenza del protagonista nel fare film sonori). Ma, grazieaddio, non è un nerdissimo tentativo di riproposizione delle glorie del passato adatto solo a 5 cinefili diversamente cool (si esatto sto proprio pensando a quello che avrebbe dovuto essere “Intrigo a Berlino”… poi per fortuna Soderbergh si è sbagliato e ha fatto un film moderno intricato, ma accettabile).
E invece no! Hazanavicius invece no. Lui utilizza il muto come mezzo per parlare di un periodo (quello del passaggio al sonoro), esattamente come sceglie di usare il bianco e nero; lo utilizza per sfottere il pubblico stracciandone le aspettative (l’applauso nel cinema all’inizio che ci si immagina senza né vederlo, né sentirlo e senza neppure vedere la reazione nel volto dei personaggi; o le battute del protagonista che fanno ridere i giornalisti, o nello splendido utilizzo del cartello con BANG!) dimostrando di aspettarsi un certo impegno anche da parte di chi guarda… e poi ok, c’è pure un certo spirito nerd, ma appena il giusto. Inoltre la scelta del muto è un modo di utlizzare i suoni, eliminandoli esalta i momenti in cui vengono utilizzati; la scena del sogno è quanto di più straniante abbia realizzato. Di fatto il muto è solo una delle componenti che devono rendere un clima, esattamente come le musiche d’epoca, il volto del protagonista (molto retrò) nonhcè la storia da commedia romantica decisamente old style. Poi però tutto il resto è un film moderno decisamente ben realizzato (la regia, la recitazione, la comicità, ecc…).

Bello anche il fatto che questa è una delle poche commedie romantiche dove l’amore tra i due protagonisti è palese, ma mai espresso a parole o con le scene, ma solo con la storia e con mille delicatezze (la scena in cui scatta la scintilla fra i due fatta attraverso una serie di ciak sbagliati tutto mostrato dagli sguardi; o il momento in cui lei si abbraccia con la giacca di lui).

Cast eccezionale con un Dujardin mattatore assoluto, caricaturale il giusto per sembrare un attore del muto, ma non troppo da non sembrare sempre naturale. Comparsata di McDowell e parti date ad honorem a Cromwell e Goodman.
Che altro?... bravo pure il cane.

PS: si ok lo ammetto, nella seconda metà tira un poco il freno a mano e ho avuto una piccola serie di colpi di sonno, ma io sono uno che si addormenterebbe anche su un cactus...

Mantrap - Victor Fleming (1926)

2012-01-13T03:41:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD.
Un avvocato divorzista stressato dal lavoro e dalle donne vuol rifugiarsi nel mondo selvaggio dei canadesi, lontano da città, caos, donne e rapporti umani più complessi di uno sbadiglio. Andrà a casa di un canadese tipo… ma li troverà la neo moglie dell’uomo, una ragazza bella e un poco ninfomane, che è appena giunta da Minneapolis, scegliendo l’isolamente perché il neo marito è diverso dagli uomini di città. Ci metterà un secondo netto a flirtare con l’avvocato e a rimpiangere la vita di città. I due fuggiranno, ma la ragazza flirta come se respirasse e le cose si complicheranno.

Commedia di un giovane Fleming, tutt’altro che alle prime armi. Il film risulta spigliato e decisamente godibile e, cosa assai rara in un film muto, divertente. Neppure i film di Leni più apertamente comici mi hanno fatto ridere, al massimo sono simpatici, qui in diverse occasioni (soprattutto nella parte iniziale) si può ridere davvero. Gli attori, soprattutto Clara Bow, sono fantastici anche nell’ottica del cinema sonoro. Alcune battute sono degne del primo Woody Allen o quantomeno di Groucho Marx (“non considerarmi come un uomo, ma come un mezzo di trasporto” o i giochi di parole inglesi fra ankle e uncle) e i volti dei comprimari sembrano scelti da Jared Hess.
Decisamente non è un film epocale, ma l’impressione è positiva, oltre ogni aspettativa.

Over silent paths - D. W. Griffith (1910)

2012-01-12T01:55:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD. Tragedia del west, una donna si trova il padre ucciso da un ladro. Fugge verso la città per chiedere aiuto, lungo la strada trova un uomo privo di sensi per l’arsura, lo aiuta, se ne innamora… almeno finché non scopre che proprio lui è l’assassino del padre…

Corto di un Griffith che a poca distanza dalle sue opere fondamentali (ma a meno di vent’anni dall’invenzione del cinema), ma le divide l’abisso. Se è vero che la storia fila via bene e i sentimenti sono ben esposti, c’è da dire che questo corto è veramente canonico nella realizzazione e, fatto salvo il nome del regista, non ha particolari motivi di interesse. (poi lo so che sono io, ma non riesco più a pensare ad un film muto ambientato nel deserto senza che mi venga in mente “Il vento”).

Viaggio nella luna - Georges Méliès (1902)

2012-01-10T00:16:00.000-08:00

(Le voyage dans la lune)

Visto in DVD. I film sono stati inventati da Griffith, che ne inventò il linguaggio, ne capì il potenziale emotivo e di racconto e realizzò “Nascita di una nazione”. A livello tecnico è stato inventato dai fratelli Lumière che si sono occupati dell’idea alla base, ma anche da Dwan che creò i sistemi per rendere nella pratica quotidiana quelli che sono gli ormai consueti sistemi di comunicazione di un film.

Méliès dal canto suo non invento moltissimo. Però ebbe un’altra idea determinate. Decise che il cinema era intrattenimento e creò la fiction, il racconto di fantasia, un susseguirsi di immagini utili a raccontare una storia di fantasia più che a impressionare per il solo fatto di essere state realizzate.

Questo viaggio dalla terra alla luna è il suo film più celebre, conosciuto da molti, citato da alcuni (addirittuare “Tonight tonight” degli Smashing Pumpkins) e mostra semplicemente quanto fosse già avanti il cinema di Méliès nel 1902. Oltre all’assenza di unità di luogo e all’idea del racconto di fiction (anzi di fantascienza nello specifico), in questo film si vedono degli esempi di effetti speciali prettamente cinematografici che dureranno fino all’avvento della computer grafica; effetti notevoli (come la scomparsa dei seleniti in nuvole di fumo, la trasformazione degli oggetti, le sovrapposizioni di immagini, ecc…) che si integrano con l’utilizzo di idee e stilemi del vaudeville dell’epoca. Un film di cui non si può parlare ne bene ne male, fa solo parte della base da cui tutto e partito e di cui Méliès ha rappresentato il meglio.

C’è pure da considerare che quando venne realizzato questo corto il cinema non era stato inventato neanche da un decennio.

Tutti i film di Méliès sono ormai senza copyright e alcuni sono visibili su youtube.

Rischiose abitudini - Stephen Frears (1990)

2012-01-09T01:42:00.001-08:00

(The grifters)

Visto in tv.

Questo è un film che ho praticamente guardato di spalle (stavo facendo altro)… in ogni caso ne parlo perché il finale (che ho guardato bene!) mi ha davvero colpito.

John Cusack è un piccolo truffatore che si guadagna da vivere usando le regole imparate da vecchio, pragmatiche, sagge e da vero gentleman. Lui sta con un’inquietantemente giovane, bella e disponibile Annette Bening che si procaccia da vivere allo stesso modo, ma in maniera decisamente più sfacciata, avara e gelida del moroso. La madre di Cusack (una Anjelica Huston che tutti nel film definiscono giovane e bella… beh, mi permetto di dissentire) lavora, con una botta di originalità, per un boss, lei gli piazza delle scommesse farlocche nelle corse dei cavalli pilotate per abbassare le quotazioni; ovviamente non resiste alla tentazione di fregargli dei soldi. I tre si incontreranno quando il povero John finisce all’ospedale, le due donne si odiano e i rapporti fra i tre collidono. Poi la Huston se ne va. Quando la Bening offre a John Cusack un colpo enorme, pericoloso, ma apparentemente facile, Cusack sente puzza di fregatura (si sa che tra truffatori ci si truffa sempre l’un l’altro, cosa che viene anche detta apertamente in questo film), torna dalla mamma per chiedere aiuto, ma le due donne si incontreranno prima… e poi il destino si muoverà in maniera inesorabile…

Ovviamente questo è noir, non importa il fatto che si tratti di un film di truffe è un noir, c’è tutto… Però è anche un film sulle relazioni famigliari. La vera idea originale è il rapporto con la madre, l’essere truffatori è tutto in dipendenza dei rapporti madre-figlio, e viceversa i rapporti famigliari vengono subordinati alle attività criminali e all’avidità che ne sta alla base.
Detto ciò non intendo dilungarmi troppo sulla regia (m’è parsa buona), la fotografia (credo pregevole anche se terribilmente “inizio anni ‘90”) o il ritmo (che invece mi è sembrato leggermente troppo lento, ma giusto un pelo); dicevo che non intendo dilungar mici perché in definitiva non l’ho seguito abbastanza bene…
Fosse solo un discorso di truffe incrociate non avrebbe particolare appeal rispetto a molte altre pellicole sull'argomento...

SPOILER ALERT
Quello su cui voglio soffermarmi è il finale. Anjelica Huston uccide Annette Bening, le spara in faccia e finge di essere lei ad essersi uccisa (scambiando il corpo sexy della appena trentenne Bening con il proprio, oppresso e consunto, corpo da cinquantenne… anche se all’epoca aveva quarantenni, ma ne dimostrava ben di più) così da depistare il boss che la sta cercando per l’ammanco di denaro di cui si è accorto. John Cusack deve riconoscere il cadavere; si rende conto dello scambio, ma sta al gioco; tornato a casa torva la amdre che lo sta derubando. Dopo un breve dialogo i due hanno una colluttazione minima e Cusack rimane accidentalmente ferito con un vetro (non ferito nel senso “Buon Dio! Mi si è spezzata un’unghia”, ma ferito nel senso “Buon Dio! Mi si sono spezzate le carotidi”), la Huston si rende conto d’aver ucciso il figlio e scoppia in lacrime… ma mentre Cusack agonizza lei, sempre piangendo, prende i soldi e se ne va… finalone col botto, molto noir, che mostra come i rapporti famigliari siano del tutto subordinati alla propria fame di denaro, no perché prima di uccidere il figlio tentarà di sedurlo convincendolo di non essere realmente sua madre... Che arrivino ad ammazzarsi lo si intuisce fin dall'inizio, ma se lei l'avesse ucciso sarebbe stata solo una persona "cattiva" e disposta a tutto pur di appagare il suo egoismo, ma in questo modo, un incidente involontario e lei, affranta, che fugge con i soldi del figlio è lei stessa vittima della sua dipendenza dai soldi, una persona disperata che fa violenza a se stessa prima che agli altri. Un finale torbido, tetro e disperato come pochi altri... La potenza di questi pochi minuti è grandiosa. Bravi tutti.

PS: carrellata di caratteristi di livello nelle retrovie.

La terra - Aleksandr Dovzhenko (1930)

2012-01-06T03:15:00.000-08:00

(Zemlya)

Visto in Dvx.
Film muto, nonostante l’anno di uscita, presentato nel '32 alla prima mostra del cinema di Venezia.
La storia è l’avvento della tecnologia (il trattore) in una campagna russa, l’avvento di una nuova possibilità per i giovani contadini osteggiata dalla chiusura mentale dei vecchi, ma ancora di più, dal potere costituito (in due parole, borghesi e preti).
Il film inizia con una venerazione commossa e amorevole della natura alla maniera di Olmi (anche se molto più sentimentale e con una costruzione delle inquadrature più impostata) per poi giungera alla glorificazione del progresso mostrato in ogni dettaglio, vero leit motiv del cinema sovietico.

I motivi di interesse per vedere questo film sono diversi, dalle inquadrature ben realizzate, al montaggio usato da dio (alla Eisenstein, ma anche frenetico per dare il senso della velocità e della potenza, ma anche il montaggio in avvicinamento in sostituzione delle zoom, ecc…). Un finale ben costruito con i cattivi che impazziscono, i buoni che cantano, donne che partoriscono, un prete che lancia maledizioni il tutto in un unico susseguirsi di stacchi rapidissimi… infine ci sono uomini che pisciano nel radiatore di un trattore… cos’altro si può chiedere ad un film muto?

Getting any? - Takeshi Kitano (1994)

2012-01-05T01:05:00.000-08:00

(Minnâ-yatteruka!)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.Un uomo vuole rimorchiare delle donne e ritiene che il segreto sia possedere un’auto, non importa quale-come-dove, basta avere un’auto. Da qui parte un film che tocca ogni genere cinematografico senza soluzione di continuità finendo con un uomo-mosca gigante che va a mangiare una mega cacca…

Questo alla sua uscita è stato considerato il suicidio artistico di Kitano, poco prima dell’incidente che ne segnerà la vita e la faccia. Di fatto, a distanza di quasi un ventennio si può dire che il film contiene la vena comico/surreale che è propria di Kitano. Difficile non notare come la sua recente trilogia sul fare film sia sostanzialmente una versione migliorata e patinati di questo Getting Any?

Kitano stesso all’uscita del film disse che era un tentativo di insultare il cinema e la cosa si vede a mano a mano che il film accumula citazioni e battute idiote fino al finalone fato di cacca e un kajiu che è figlio de “La mosca” di Cronenberg. Nella parte iniziale però, quella meno citazionista, quella iniziale sui tentativi del protagonista di portarsi a letto le donne comprando una macchina, il film fa ridere, è decisamente divertente quanto può esserlo un film comico demenziale.
In sostanza questo è un bignami del cinema che a Kitano piaceva (per lo più giapponese, dalla Yakuza ai film di fantascienza, e c’è pure Zatoichi!; ma ci sono pure piccole citazioni made in USA come “La mosca” o i “Ghostbusters”), messo sotto spirito e venuto decisamente male… probabilmente quando Kitano finisce le idee comincia a sbrodolare… alla fine è solo un film su un tizio che vuole fare sesso.

Frank Costello faccia d'angelo - Jean-Pierre Melville (1967)

2012-01-04T02:56:00.000-08:00

(Le samouraï)

Visto in DVD. Frank Costello (Jef nella versione originale), solitario killer, uccide, su commissione, il padrone di un night. Si trova così ad essere braccato da ogni parte. La polizia, in particolare l'ispettore non crede al suo alibi, meticolosamente preparato, e cerca in ogni modo di intrappolarlo. I mandanti dell'omicidio, temendo che le indagini possano arrivare sino a loro, lo vogliono eliminare. Sarà lui l'arbitro del proprio destino.
Bisogna ringraziare wikipedia per la precisione millimetrica nella descrizione della trama...

Film estetico più che dinamico, tutto è giocato su linee nette, colori precisi (i surreali interni color grigio-azzurro asettico) e distacco completo. Tutto è preciso, duro e gelido, un noir senza parole, perché le parole non servono a descrivere nulla, quasi non recitato, perché i volti non devono descrivere nulla. Tutta la comunicazione è lasciata alle scene. Su tutto regna la figura eremitica di Alain Delon che, senza muovere mai un muscolo del viso, ruba, uccide e fugge sembrando sempre incredibilmente cool.

The disappearance of Alice Creed - J Blakeson (2009)

2012-01-03T01:00:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Una coppia di criminali ben organizzati, ma alle prima armi, rapiscono una giovane ereditiera per estorcer denaro al padre. Il piano è congegnato nei dettagli, ma in definitiva sfugge loro il fattore umano e le cose non andranno come previsto.

Ancora un film di rapimenti, ma qui non ci sono famiglie disfunzionali come in Loved ones o 5051. Questo è un rapimento professionale fatto per scopi canonici… il problema è che il film, dopo circa mezzora, cambia genere, instaura di fatto un triangolo amoroso tra i due rapitori e la rapita (in cui anche il water ha una sua parte, non importante, ma reiterata) che presto sfocia nel degenero e il film cambia nuovamente divenendo un gioco al massacro dove tutti cercano di fregare tutti. Il film azzecca pure il finale migliore (che in questi film è sempre quello più negativo possibile)… poi però c’è un rigurgito di buonismo, qualcuno si salva ed il finale da chiuso e definitivo si fa aperto…

La regia confeziona un film impeccabile nella confezione (come anche gli altri film di genere visti di recente) che azzecca diversi momenti encomiabili. Bastano i primi 10 minuti in cui tutto viene predisposto, organizzato ed il rapimento viene effettuato, il tutto senza che venga detta neppure una parola.

Per carità la confezione non è che il giusto incartamento, qui quello che vince è una storia più torbida di quanto non sia la messa in scena, con continui cambi e colpi di scena totalmente non prevedibili. Si soffre assieme ai protagonisti, anche quando si tifa contro.

PS: e poi un film con un cast totale di 3 persone val sempre la pena di essere visto...

C'eravamo tanto amati - Ettore Scola (1974)

2012-01-02T01:30:00.000-08:00

(Id.)

Visto in tv. La storia di tre amici (Manfredi, Satta Flores e Gassman) dai felici giorni della resistenza fino agli anni ’70, le strade divise e costantemente riunitesi, la politica, il lavoro, i cambiamenti sociali e l’amore sempre per la stesa donna (la Sandrelli).

Sono un giannizzero di questo film che considero il più bello (a livello di regia) che sia mai stato fatto in Italia fino all’arrivo di Sorrentino. Quindi mi metto subito e dirne i lati negativi. Certamente la scrittura non è il punto di forza; i personaggi, seppure ben distinti e caratterizzati, sono molto superficiali e sciocchi; gli eventi non sono ben mostrati e, soprattutto, ogni cosa è mostrata con il filtro dell’ideologia che identifica con il denaro la morte spirituale e con la povertà l’unico vero sistema di rimanere onesti di fronte a se stessi...

Ma anche di fronte a queste evidenti pecche il film rimane un’opera larger than life. In questo film sono condensate tutte le turbolenze che dal dopo guerra si sono mosse in italia. Le lotte politiche, il boom economico, i vizi e le frodi dell’epoca e i vizi e le frodi che da allora ci accompagnano (significativamente profetico Gassman quando con Aldo Fabrizi si lamenta della conduzione dell’azienda, dicendo che non si può andare avanti con la bustarella all’assessore, ma bisogna pilotare i piani edilizi, avere contatti con la politica e farsi quotare in borsa), la storia del cinema di quel periodo (le duemila citazioni splendidamente sparse, come quella sfacciata e anche quella nascosta de "L'eclisse" di Antonioni e i reiterati camei di Fellini, Mastroianni, De Sica o la partecipazione come attore dello stesso Aldo Fabrizi ed Elena Fabrizi), le abitudini le manie ed i sogni dell’epoca. Il tutto viene mostrato e mischiato tanto da non esserci una differenza quando parla della vita o del cinema.

Il film poi riesce a far ridere quando deve, mentre si costella di diverse sequenze strappalacrime fatte da dio, come le foto della Sandrelli in lacrime in Piazza di Spagna, la canzone dei partigiani continuamente suonata/cantata, ecc… davvero i momenti da ricordare sono troppi.

Infine il motivo per cui l’ho sempre amato, Scola fa di tutto, fa di tutto, fa parlare i morti, sfrutta B/N e colori, utilizza le musiche, muove la macchina da presa con dolly enormi e sfrutta gli stilemi teatrali (i pensieri detti ad alta voce dai personaggi è un’idea fantastica, perché viene prima spiegata, poi utilizzata per finta nel film e solo dopo Scola la utilizza come tecnica reale… beh bisogna vederlo per capire) arrivando addirittura far recitare una lettera dalla donna che l’ha scritto, un sistema che all’epoca utilizzava solo Bergman (successivamente, per quanto ne so, solo Scorsese). Fantastico.

Operazione diabolica - John Frankenheimer (1966)

2011-12-30T02:20:00.000-08:00

(Seconds)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
SPOILER. Randolph è un medioborghese oltre la mezzetà, più o meno senza sbocchi, chiuso in una vita buia... da un poco sembra essere pedinato (bella la sequenza iniziale) e torturato telefonicamente da un amico... peccato che quell'amico sia morto. Andrà ad un appuntamento per capire cosa sta succedendo e si ritroverà dentro un'azienda che cambia l'identità e la vita, senza che tu lo voglia, semplicemente ti scelgono e ti cambiano vita. Randolph subisce un intervento di plastica facciale e diventa Rock Hudson (ah ah ah ah), si trasferisce in California dove farà il pittore, ma le cose non andranno per il verso giusto e l'azienda che cambia le vite non avrà ancora finito il suo lavoro.

Film affascinante, dall’idea originale e decisamente ben realizzata (in fondo l’assunto è semplice, una ditta permette di cambiare letteralmente la tua vita, solo che non da possibilità di scegliere quando) con un colpo di scena finale, prevedibile, ma orchestrato in maniera da colpire in ogni caso.
Frankenheimer da sfoggio di tutte le sue capacità molto anni ’60, con camere ravvicinante, che seguono i personaggi in maniera ansiogena e con montaggio rapidissimo, tutto avviato a dare un senso di claustrofobia che dona al film quel qualcosa in più. Il problema è che esagera. Si dilunga sempre troppo, troppo lunga la sequenza del baccanale hippie, troppo lunga della festa in cui Hudson si ubriaca, troppo lunga la disperazione del protagonista alla fine del film. Il film rimane orginale, ma perde molti punti.

PS: titoli di testa di Saul Bass che introducono fin da subito in un ambiente malato.

Muertos de risa - Alex de la Iglesia (1999)

2011-12-29T01:16:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in inglese.
Un duo comico si forma per caso e ancor più per caso raggiunge il successo. Dei due il più spontaneamente comico non è in realtà interessato all’arte di far ridere, scatenando le invidie dell’altro; il primo dei due poi sarà a sua volta scontento per la parte che dovrà interpretare. Le piccole invidie dei due cresceranno negli anni, diverranno patologiche, avveleneranno la vita di entrambi fino alla conclusione… che è in realtà l’inizio.

Film di De la Iglesia che spinge sul grottesco in maniera invidiabile, con una coppia di personaggi sfigati e tristi anche durante la loro maggior fortuna e che si rovinerà per la mancanza di dialogo fra loro… però per il resto manca tutto. Si il grottesco è una componente sostanziale del regista spagnolo, così come l’eccesso visivo che in qualche punto c’è, ma sono proprio i personaggi a non rendere per nulla. Non c’è mai una reale cattiveria, non c’è mai un reale traino: il punto di forza dei suoi film più riusciti è calare brutti persone in ambienti ancora più brutti e far vincere il personaggio negativo che meglio riesce a muoversi. Qui tutta questa componente viene a mancare e si assiste, divertiti (ma neanche troppo), alla discesa verso il basso di due perdenti… niente di che.

Orfeo - Jean Cocteau (1950)

2011-12-28T01:06:00.000-08:00

(Orphee)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Secondo capitolo della trilogia cominciata con Le sang d'un poète.

Una rivisitazione in chiave moderna del mito di Orfeo, immesso in una città francese degli anni ’50. Orfeo diventa un poeta e da il destro a Cocteau per continuare il discorso iniziato in Le sang du poet sul ruolo dell’artista nella società, in questo caso come ponte fra i mondi… ma francamente questo è il meno. La storia è surreale nelle scene iniziali, poi si fa via via più razionale ed inerente al mito, di pari passo le invenzioni visive da rade si fanno sempre più fitte, con l’espressione massima nelle immagini dell’aldilà.

Ecco il punto del film è, come sempre in Cocteau, l’immagine. Cocteau amava gli effetti visivi (oggi diremmo effetti speciali) ed era un maestro nel realizzarli affinché stupissero, ma soprattutto, creassero un mood adatto al clima del film. Trucchi nelle prospettive, nei paesaggi che sono in realtà pavimenti inquadrati dall’alto, specchi che sono porte fatte d’acqua, il rewind nel far resuscitare le persone o nel mettere i guanti, le orchestrazioni perfette nelle scene in cui si inquadrano specchi che in realtà non esistono ecc… poche sono le idee realmente, ma in questo film vengono utilizzate in maniera maggiore che non ne La bella e la bestia e sono poste in un film con una trama, una storia, vera e propria (che mancava in Le sang du poet) che ne semplifica la fruizione e che ne giustifica l’utilizzo.

PS: quando il paesaggio fuori dall’auto viene mostrato come il negativo ella pellicola credo sia impossibile non pensare a Nosferatu.

The loved ones - Sean Byrne (2009)

2011-12-27T02:11:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in italiano.

Un ragazzo che si incolpa della morte del padre rifiuta, con garbo, di andare alla solita festa di fine college... purtroppo la ragazza (ed il suo padre psicotico quanto lei) non apprezza, rapisce e tortura il ragazzo...
Altra sorpresa sul genere torture movie/sequestri, questo film australiano conquista immediatamente per la confezione decisamente ben curata, che si fa spettacolare nelle scene della finta festa da ballo; bella l’ambientazione vintage e splendidi i personaggi… ovviamente mi riferisco agli antagonista, dei pazzi molto ben realizzati con una spruzzata di possibile incesto che da a tutto un tocco più fuori di testa della media. Poi però anche Sean Byrne si dà da fare, con un uso delle musiche vintage assolutamente ragionato e qualche vero e proprio colpo di classe alla regia (su tutte, la scena in cui i due ragazzi fanno sesso in macchina e il montaggio sembra suggerire che vengano scoperti dal padre…).

Però,vedendolo a poca distanza da 5051 Rue des Ormes, è impossibile non fare dei confronti tra i due. Tra i due la confezione è sempre molto alto, ma direi che questo film vince, calca molto di più la mano, ma non esagera mai nel kitsch fine a se stesso; la famgilia di matti di The loved ones è di molto migliore dell’altra per l’eccesso a cui arrivano, per l’assenza di uno scopo reale che li rende più pericolosi e per il personaggio del padre succube volontario che è grandioso (inoltre la ragazza vince il premio per la pervicacia nell’ammazzare tutti). Quello che 5051 ha di vantaggio è la credibilità, fino al colpo di scena finale (implausibilissimo), la storia è trattata come un’analisi di una famiglia disfunzionale, ma in equilibrio, che viene disturbata dall’arrivo di un corpo estraneo, in questo film non c’è nulla che sia verosimile (i ragazzi in cattività, la lobotomia, la fuga, ecc…); inoltre 5051 ha una maggior asciuttezza, in due scene racconta tutto il background, tagliando via tutte le parti inutili e giungendo rapidamente al punto, The loved ones decisamente no…

Il corvo - Henri-Georges Clouzot (1943)

2011-12-26T02:07:00.000-08:00

(Le corbeau)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
In un paese della provincia francese (durante l’occupazione nazista, nota di costume che non viene mai mostrata nel film, ma di fatto è ambientato in contemporanea con l’epoca d’uscita), un anonimo comincia a spedire lettere in cui vengono messe a nudo le attività illecite, le piccole e grandi prevaricazioni e la vita privata più perversa (per l’epoca) di diversi personaggi illustri e gente comune della città. Tutte le lettere poi sembrano concentrarsi soprattutto nei confronti di un medico…

Prima di tutto la storia è una figata, buona l’idea, entusiasmante lo svolgimento (su tutto la scena in cui, al circolo, i vari personaggi seduti al tavolo tirano fuori le lettere ricevute, sparlando gli uni degli altri), fantastico il finale, con una serie di show down finali che si concludono poi con il dubbio (davvero è stata solo quella persona?!) e soprattutto il finale è certamente prevedibile, ma tutti i prefinali fanno completamente perdere il senso di prevedibilità.

Poi ovviamente la regia di Clouzot, che ci mette piccoli tocchi di stile (la scena del dialogo fra il protagonista e il vecchio medico alla luce ondeggiante della lampadina) e veri e propri colpi di genio (la fuga della suora dalla folla… folla che non si vede mai, si sentono solo le grida, ma il senso di inquietudine e di disperazione è assolutamente perfetto).
Infine, ovviamente, il cast è assolutamente all’altezza della prova richiesta.
Il film entusiasma dall’inizio alla fine senza momenti di stanca. Magnifico.

PS: la realizzazione del film creò non pochi problemi al regista, in quanto il governo di occupazione nazista ci vide una critica alla società da loro “creata”, impedì la distribuzione del film fin dopo la fine della guerra e impedì al regista di realizzare altro.

L'uomo che sapeva troppo - Alfred Hitchcock (1934)

2011-12-23T01:40:00.000-08:00

(The man who knew too much)

Visto in VHS.
L’originale Uomo che sapeva troppo è molto simile al più noto remake anni ’50, se ne discosta solo nel finale. Inutile dire che tra i due questo film degli anni ’30 è decisamente il peggiore.
Hitchcock non ha ancora tutte le idee o le capacità per realizzarle, che avrà nei decenni successivi. Il ritmo latita in qualche punto e la storia nel complesso appare molto più farraginosa che non nel film con James Stewart.

Detto ciò però questo rimane un film abbastanza godibile con alcuni momenti molto belli. La cosa migliore sono le location, lugubre il giusto quella nella chiesa e perfettamente squallida quella dal dentista. Buona la sequenza ella doppia telefonata in cui rimane il dubbio il più a lungo possibile su chi sia riuscito a chiamare per primo (questo è forse il momento di maggior suspense del film), ma è da ricordare anche la scena del tentato omicidio durante il concerto.

Inoltre credo sia da notare che al suo primo film non tedesco, Peter Lorre, da vita a un cattivo normale e controllato, una rarità nella sua filmografia decisamente sopra le righe.

La vita è un miracolo - Emir Kusturica (2004)

2011-12-22T01:34:00.000-08:00

(Zivot je cudo)

Visto in tv. Bosnia 1992. Luka, ingegnere arrivato da Belgrado in un paesino di montagna con moglie soprano un po' nevrotica e figlio abile calciatore, vede la sua vita mutare rapidamente. Lui e' li' per costruire un tratto di linea ferroviaria ma la guerra scoppia, la moglie se ne va, il figlio viene fatto prigioniero e lui e' richiamato nell'esercito. Per di più, quando gli viene affidata una giovane prigioniera musulmana se ne innamora. (mymovies).

Kusturica fa il solito film caotico, per accumulo di immagini implausibili e grottesche, dove il dramma è unito all’ironia e all’irreale… ma stavolta pare eccessivo. L’incipit è confuso come non mai, ma quel che è peggio sembra esserlo apposta, senza un motivo che non sia di farlo alla “Kusturica”. Ma volendo anche Underground aveva un intro eccessivamente casinista… Poi il film si libera della zavorra e porta avanti la storia d’amore impossibile fra il serbo e la bosniaca, mentre accumula frecciatine contro la stampa ed il diffuso menefreghismo nei confronti della guerra a Sarajevo… Ma anche qui le poche immagini surreali (come la visione fluttuante nell’aria del protagonista che taglia l’albero con il figlio) sembrano messe li a bella posta e non si vede neppure una grande idea veramente originale.

Tutto sommato un film che, dopo il pesante inizio, si fa visibile senza problemi e dipana un melodramma anche notevole… Ma non è un granché se si considera chi c’è dietro la macchina da presa.

The karate kid, La leggenda continua - Harald Zwart (2010)

2011-12-21T01:22:00.000-08:00

(The karate kid)

Visto in DVD. Karate kid… la prima cosa che mi viene in mente è: c’era davvero bisogno di rifarlo?! No dico, posto che Jackie Chan è una scelta buonissima per sopperire all’insostituibile Maestro Miyagi originale; ma tolto lui, che bisogno c’era di rifarlo? Che attualità ha? Non mi pare ci sia una recrudescenza dei film di arti marziali e non mi pare che ci sia una nuova moda in quel genere di sport… Mah.

Comunque l’ho visto ad ora tarda mentre ero cotto duro, dunque non so se sono totalmente attendibile.

Beh il film parla del figlio di Will Smith che con la madre ha la pensata di trasferirsi in Cina pur non parlando (nessuno dei due) una parola di cinese. Per carità, il ragazzetto punta subito gli occhi su una ragazza locale, ma dei bulli prepuberi cinesi che ne sanno a pacchi di arti marziali gli fanno il culo. Lui decide di imparare l’arte di tirare grattoni e intenerisce il vecchio saggio Jackie Chan, si iscrive in un torneo, smazza tutti e diventa l’afroamericano di 11 anni più famoso di tutto il suo condominio.

Questo film è un crimine per tanti motivi. Non c’è la manovra magica per curare ogni cosa del Maestro Miyagi invece c’è un po di magia new age. Poi il ragazzetto è un coglioncello preadolescente qualunque, se io fossi il detentore di una conoscenza millenaria utile a risolvere i problemi di integrazione certamente non lo insegnerei a lui! Poi se poteva sembrare credibile che il metti la cera togli la cera potesse portare alle pacche in maniera diretta (in fondo Pat Morita diceva quale movimento doveva fare), mi pare proprio una vaccata il togli il giacchetto metti il giacchetto che trasforma un ragazzetto digiuno di lotta in Bruce Lee incazzoso. Poi la Cina rappresentata è lucida, pulita e perfettamente a modo sotto ogni punto di vista, li il problema dell’integrazione (che c’era pure nell’altro) non è perché l’ambiente è ostile, ma solo per mancanza di comunicazione (dato l’alfabeto con cui erano scritti i produttori presumo che questo film sia stato solo un grosso spot post olimpiadi). Il colpo finale è una cazzata ben peggiore di quello originale. Jackie Chan si convince ad insegnargli le arti oscure quasi esclusivamente perché il bambino litiga con la madre perché è disordinato. Ah già, non c’è un briciolo di karate in questo karate kid, visto che siamo in Cina e quello che viene insegnato è kung fu…

Ma ciò che, forse, è peggio non ha proprio senso; non regge. Se nel film originale il ragazzo era un adolescente fatto e finito che quindi aveva reali problemi nel reclutare belle figliole o di adattamento a dei bulli che facevano male per davvero; qui è solo un bambino che impiega un poco ad integrarsi; proprio non ci sta… e poi vedere i bimbetti che tirano gomitate per spaccare gli sterni fa tanta tenerezza…

Detto ciò, il film è ridicolo, ma godibile e, specie se non si conosce l’originale (o si è cotti duro), lo si può guardare senza problemi.

Gli spietati - Clint Eastwood (1992)

2011-12-20T01:26:00.000-08:00

(Unforgiven)

Visto in DVD. Rimando alla sempre quasi-affidabile wikipedia per la trama.

Che film! Eastwood termina la sua parabola western nel modo migliore. Un film du un vecchio ex renegade ormai bollito e portato sulla buona strada che riprende in mano la pistola per una buona causa ed un mucchio di soldi. Esatto! Quel vecchio che non uccide nessuno da 11 anni è Eastwood, che non realizzava un western da 10 anni, che mostra il tramonto dell’epoca d’oro del west con un western atipico sugli ultimi giorni dei pistoleri come categoria sociale. Proprio i pistoleri vengono continuamente sbeffeggiati, ne vengono spiegate le regole e gli ideali solo per distruggerli poco dopo, vengono messi a nudo e rivelati come degli incalliti mentitori (è italiano, giuro) costantemente sotto gli effetti del whiskey. Si insomma un finale perfetto per l’intero genere.

Ovviamente Eastwood è lo stesso texano dagli occhi di ghiaccio di qualche decennio prima, deve solo riprenderci la mano e una volta che questo è avvenuto riuscirà in tutto ciò che poco prima rimaneva impensabile. Il tutto condito con un sentimentalismo spinto in ogni direzione (la moglie che l’ha salvato dalla sua stessa vita, morta ormai da anni; il legame con il ragazzo che vorrebbe essere un pistolero; l’intera parabola del personaggio di Morgan Freeman; ma anche la sete di pace e dello sceriffo Hackman; ecc…) che non solo non eccede mai, ma anzi eleva il film al di sopra di molti altri (non necessariamente di questo stesso genere).

Il tutto poi è visto con un taglio noir, affascinante, disincantato e perfetto nel sottolineare il personaggio (in fondo i due generi hanno tantissimo in comune, la lotta contro un destino già scritto, la morte costantemente presente, l’amore impossibile, la solitudine…).

Una pallottola per Roy - Raoul Walsh (1941)

2011-12-19T02:49:00.000-08:00

(High Sierra)

Visto in DVD. Un esperto di rapine a mano armata (Bogart) viene fatto uscire di galera da un suo vecchio compagno di merende che gli propone il solito colpo che vale una vita. I suoi compagni di avventure sono due sbarbatelli che però… si portano dietro la Ida Lupino che si innamorerà di Bogart… Ovviamente le cose non andranno per il verso giusto…

Un buon film con una visione d’insieme piuttosto europea (strano, non ho ben presente se sia un pregio da imputare a Walsh) che butta tutta l’attenzione sui personaggi fregandosene abbastanza della storia e descrive con particolare grazia un amore impossibile (quello della Lupino nei confronti di Bogart; che non si concretizza mai in nulla perché Bogart la rispetta, ma ama un’altra), che in un film meno originale sarebbe stato possibile (in fondo il personaggio della donna è tipico in un melodramma amoroso più che in un film di gangster).

Poi è affascinante l’unione fra il film di gangster (perché questo è) ed il noir, che spunta fuori proprio per l’interesse particolare nei confronti dei personaggi, l’amore impossibile, e il destino ineluttabile (qui incarnato in un cane ben prima di Kubrick).

Piuttosto enfatico, ma pregevole il finale esplosivo per le emozioni esposte e per le inquadrature dall’alto.

PS: ma quanto ha la faccia facciosa Henry Travers?! Mette proprio una nota di positività. Anche se è perfetto, io non lo avrei mai messo in un noir, nenache nella parte del padre di famiglia bonaccione e sfortunato del sud.

Ciao America - Brian De Palma (1968)

2011-12-16T02:36:00.000-08:00

(Greetings)

Visto in DVD. La vita di 3 amici che cercano di evitare di essere mandati in Vietnam, nel frattempo di gingillano tra i vari topoi di quegli anni, la guerra, i complotti governativi, il sesso, i film amatoriali, ecc…
Secondo film di De Palma, è il classico film anni ’60. Completamente libero nella forma completamente caotico nell’assenza di trama. Un film che presenta i giovani che sopravvivono nonostante il governo.

Nella forma, come sempre in quegli anni nell’ambito indie, De Palma ci da dentro a fare ogni cosa che gli passi per la testa fregandosene del fatto che sia effettivamente utile o meno, dalle accelerazioni; a stacchi di montaggio che mostrano il punto di vista opposto della stessa scena, ma palesemente ripreso in un momento diverso; ai cartelli; agli attori che parlano in camera.
Certamente ha dei pregi, dalla storia parallela del ragazzo ossessionato dall’omicidio di JFK, all’appuntamento mostrato in chiave di film porno/muto.

In definitiva un film certamente rilevante all’epoca (e rilevante per creare il De Palma che oggi conosciamo), ma che è irrimediabilmente invecchiato e sena l’attenuante di creare immagini da urlo come invece riesce a fare“Chi sta bussando alla mia porta?”.

Stand by me, Ricordo di un'estate - Rob Reiner (1986)

2011-12-15T02:16:00.000-08:00

(Stand by me)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
C’è stato un periodo, nei favolosi anni ’80, in cui i film per ragazzi erano dei film decenti, quantomeno, e talvolta veri e propri gioielli. Solitamente quei film erano realizzati/prodotti da Spielberg/Amblin. Ecco direi che da quell’elenco l’unico che non è passato dalla mente del regista di ET è proprio questo, Stand by me.

Se, per dire, prendiamo " I Goonies" come uno dei capisaldi di quel cinema (e dico "I Goonies" per questioni puramente soggettive), direi, quantomeno, che questo film è la versione seria e sentimentale de "I Goonies".

La storia è il viaggio, di due giorni, di un gruppo di 4 amici, alla ricerca del cadavere di un ragazzo. Il viaggio rappresenterà il classico elenco di piccole avventure (decisamente credibili in questo caso) e dei propri demoni che dovranno essere affrontati.

In se niente di nuovo, ma quello che entusiasma è il modo in cui il tutto è trattato. I ragazzi sono trattati come ragazzi, non sono dei geni incompresi, ne sono dei bambini che ragionano e vivono come adulti. Si insomma l’idea di base (bella, ma non entusiasmante) vince perché è trattata con una serietà invidiabile.

Odio dirlo, il film intrattiene e commuove con stile e senza mai scadere nell’eccesso o nell’inverosimile… e poi quel finale li, semplice e pulito, è il migliore e il più atroce commento sul tempo che è passato.

PS: mi pregio di sottolineare nel cast un giovane River Phoenix e un giovanissimo Ultraman.

Buppha Rahtree - Yuthlert Sippapak (2003)

2011-12-14T01:00:00.000-08:00

(Id.) aka Flower of the night o variazioni sul genere.

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in italiano.
Tahilandia, una ragazza estremamente sulle sue viene sedotta da un ricco ragazzotto locale, lei non sa che lui lo fa solo per una sfida fra i ricchi ragazzotti locali. Quando però lei rimane in cinta, lui, pieno di rimorso la convince ad abortire… ripeto, è pieno di rimorso ed in quel momento, probabilmente, comincia ad innamorarsi di lei, ma il di lui padre lo manda a studiare in Inghilterra. Lei si rinchiude nel suo appartamento dove muore a causa dell’aborto… se fosse tutto qui non sarebbe niente di che. Quando la proprietaria del condominio si accorge che la ragazza è morta e chiama la polizia, beh, la ragazza fa capire a tutti che non ha intenzione d’andarsene. Esatto! È un fantasma! Uno di quei fantasmi orientali fatti tutti di trucco in faccia e camminata strana (a meno che quella non sia una corsetta normale in Thailandia… non so, non conosco il background). Dopo il melodramma dell’inizio parte la seconda porzione di film, la parte horror/comica. Le varie apparizioni del fantasma, il rapporto con i vari inquilini, i reiterati tentativi di liberarsene (ci provano con monaci locali, con un prete cattolico che cita apertamente L’esorcista e pure con un monaco cambogiano) e le reazioni della proprietaria sono gli elementi di questo secondo tempo. Poi il ragazzo torna dall’Inghilterra. Va nell’appartamento della ragazza, che non sa essere morta, e le chiede scusa e decide di stare li da lei. Però la vita di coppia non è idilliaca, i due non si capiscono del tutto e lui va a farsi la ragazza del chiosco vicino. Il fantasma non ne sarà affatto contento e concluderà la vicenda deragliando verso Audition. Poi colpo di scena, prevedibile, ma comunque buono.

Applausi ai thailandesi, il film è dignitosamente realizzato, non troppo stupido e non è mai noioso. Per carità in se niente di male, ma è fantastico come l’horror e lo splatter vengano immersi in una storia prima d’amore, quindi comica, quindi melodrammatica! Non è un film fondamentale, ma mostra la versatilità di un genere che da noi è tenuto solo di nicchia.

Sono strana gente - Michael Powell (1966)

2011-12-13T01:49:00.000-08:00

(They're a weird mob)

Visto in Dvx, in lingua originale.
Un italiano vola in Australia ad incontrare il fratello che gli ha proposto di fare il giornalista per una rivista per la comunità di immigrati oriundi a Sydney. Una volta arrivato il fratello non si presenta e la rivista sembra essere stata chiusa. Rimasto solo in terra straniera, senza soldi per fare alcunché, trova lavoro come muratore e da li ricomincia costruirsi una nuova vita.

Curioso film tratto da un romanzo di un italiano, prodotto e realizzato dagli inglesi la cui trama cerca di raccontare gli australiani (sono loro la “strana gente” del titolo, non gli italiani) dal punto di vista di un immigrato. Curioso inoltre che alla regia ci sia Powell e come protagonista Walter Chiari. Non son, non c’ero, quindi magari l’ha fatto; ma io fossi stato in Chiari mi sarei bullato di questo film tutta la vita.

Detto ciò il film è una gradevole commediola che una certa venatura romantica che però non stanca mai e non prende mai il sopravvento. Carino e divertente il giusto si muove tra idee, comicità e trovate piuttosto vecchie (anche per l’epoca), su tutte i termini in australiano incomprensibili per un autoctono. Alcune sequenze sono ben riusciti (come la telefonata collettiva di Walter Chiari con il futuro datore di alvoro, in cui partecipano e aiutano tutti gli inservienti dell’hotel), niente giuzzi geniali, ma il film rimane godibile.

PS: nel finale si vede l’Opera House in costruzione.

PPS: l’ho visto in lingua originale, quindi non so come abbiano reso i giochi di parole in italiano…

L'assassino abita al 21 - Henri-Georges Clouzot (1942)

2011-12-12T00:22:00.000-08:00

(L'assassin habite... au 21)

Visto in Dvx. Un serial killer semina il panico per le strade di Parigi. Grazie ad una soffiata un commissario di polizia scopre che l’assassino abita in una pensione, quindi vi si introduce travestito da prete e cerca di condurre indagini nei confronti di ogni inquilino per scoprire chi sia il maniaco.

Affascinante commedia gialla che ha il suo punto di forza in una scrittura impeccabile, personaggi ben fatti anche quando sono banali e dialoghi stupendi. Tutto viene realizzato con cura e “l’indagine” passa in secondo piano, il riuscire a trovare l’assassino non è più il primo pensiero di chi guarda il film.

Certo il finale a sorpresa è una buona idea, ma il film avrebbe retto anche con idee più scontate.
Clouzot fa il suo lavoro con maestria e regala alcuni buoni momenti (come la soggettiva dell’assassino all’inizio del film che da dei suggerimenti sulla sua identità che verranno poi abbattuti) e anche alcune idee geniali (il passaggio dell’incarico di trovare l’assassino in poco tempo che diventa sempre più perentorio a mano a mano che dal ministro si va più in basso nella gerarchia).

Occhi senza volto - Georges Franju (1960)

2011-12-09T01:58:00.000-08:00

(Les yeux sans visage)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese. Un medico, maestro nei trapianti causò lo sfigura mento della figlia, chiaramente ora vuole porvi rimedio ben oltre i limiti della legalità, quindi con l’aiuto di un’infermiera connivente, rapisce giovani donne e prova a trapiantare il loro viso sulla figlia… Con scarsi risultati.

Film assurdo sotto ogni punto di vista che fa della recitazione azzerata la sua caratteristica principale ed il finale è talmente insoddisfacente che fa venire il dubbio che sia stato tagliato…
Però il comparto visivo è magnifico. Il volto sfigurato che non viene mai mostrato se non con immagini alterate, l’inquietante maschera di gomma bianca che la ragazza indossa, il finale con il mostro in mezzo alla natura o l’evoluzione di uno dei trapianti mostrato attraverso una serie di foto che ne descrivono il fallimento. Ecco, tutto questo, oltre alla storia in se, rende lodevole questo film sempre sul limite fra serie A e B.

PS: pensa te dove in che film ha recitato Alida Valli...

Valhalla rising, Regno di sangue - Nicolas Winding Refn (2009)

2011-12-08T03:43:00.000-08:00

(Valhalla rising)

Visto in Dvx in lingua originale sottotitolato in inglese.
Un vichingo imbattibile nella lotta, ma dal passato misterioso e dal mutismo totale, chiamato one eye, si libera dalla schiavitù di un gruppo di connazionali, fugge portando con se un ragazzetto, unico sopravvissuto dal suo massacro, e incontra un gruppo di convertiti al cristianesimo che vogliono andare in terra santa. Si unisce a loro, ma per colpa della nebbia e della bonaccia la navigazione diventa impossibile e vengono trascinati dalle correnti fino in America dove lentamente verranno portati alla follia e alla morte, fra presagi e visioni varie.

Refn è sempre stato un regista che mette la città al primo posto nelle inquadrature, descrive la location prima ancora dei personaggi, quindi trovarlo a descrivere un medioevo senza neppure un villaggio è cosa strana. Ma ovviamente se la cava egregiamente. Più che un regista di città direi, a questo punto, che Refn è un regista di ambienti. La descrizione del paesaggio è perfetta, la natura ha la parte del leone e tutto viene declinato con i colori del fango e della nebbia che pervadono il film in maniera insistita, con solo qualche squarcio del rosso intenso che il regista si porta dietro dai tempi di Fear X. I paesaggi non entusiasmanti riescono ad avere una forza che in mano chiunque altro non avrebbero potuto neppure sperare. E nel complesso candido questo film come il più umido della storia del cinema, forse anche più di Lezioni di piano.

Detto ciò bisogna però ammettere che non è un buon film. La spiritualità e la metafisica che pervadono l’opera sono l’unico collante fra le varie parti senza che ci sia una vera e propria correlazione; i personaggi e la storia si muovono in maniera caotica, utili solo a dare la possibilità a Refn di dilatare i silenzi in lunghe sequenze ridondanti, belle, ma inutili.

Esteticamente notevole, ma mortalmente noioso, è forse il primo, vero, passo falso del regista danese.

Il lungo addio - Robert Altman (1973)

2011-12-07T01:50:00.000-08:00

(The long goodbye)

Visto in DVD. Le indagini di Marlowe ambientate in epoca contemporanea (gli anni ’70) e di conseguenza attualizzando il personaggio. Va reso onore ad Altman che ha osato l’inosabile, fare un noir con un personaggio classico cercando di ammazzare i cliché nati con Bogart… peccato che l’esperimento non riesca…

Il mondo che viene dipinto è un mondo più ironico che cinico ed il Marlowe mostrato è il personaggio di Chandler con più battute che disillusione; in un certo senso quindi il film non si discosta dalla traccia originale, la ripulisce soltanto. E va detto, il protagonista funziona, diverte e piace come vorrebbe. È il resto del mondo che non funziona.

Capisco l’ironia, ma non si può creare un film noir con echi classicheggianti dove il cattivo di turno fa spogliare tutti gli scagnozzi perché per dire la verità bisogna essere nudi; e non mi si può mettere delle dirimpettaie hippie che fanno yoga nude a tutte le ore solo per divertire ed attualizzare…

PS: per tutto il film si sentono continuamente versioni diverse della canzone, che ovviamente è The long goodbye.

5150, Rue des Ormes - Éric Tessier (2009)

2011-12-06T01:14:00.000-08:00

(Id.)

VIsto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in inlgese.
I canadesi lo fanno meglio, l’horror, specie se sono francofoni.
Un ragazzo incappa per sbaglio nel ripostiglio di un maniaco con famiglia a carico. Il maniaco, come spesso accade, è anche estremamente morale e quindi non vuole ucciderlo perché non è un peccatore… quindi lo rinchiude e lo tiene li finché non rimane deluso dall’incapacità omicida della figlia e decide che il ragazzo sarà il figlio maschio che non ha mai avuto; cominceranno a giocare a scacchi e poco alla volta gli esporrà il suo piano.

Nei limiti del film di nicchia e delle svariate ingenuità di sceneggiatura e regia, questo è un gran film. Intanto perché ha uno degli incipit più concisi di sempre, con due pennellate in tutto descrive in maniera più che esaustiva tutto il background famigliare e culturale del protagonista, uno sfigatello buono e gentile. Poi, subito dopo, arriva un atterraggio di faccia del protagonista, scena che fa sempre ridere e che giustifica il cellulare inutilizzabile (è vero che i gatti neri portano sfiga). Poi inizia il film per davvero.

Inizia un film che è nella scia del classico famiglia disfunzionale e omicida, ma qui non c’è una follia fine a se stessa, ma un piano ben preciso (che in realtà è la parte meno accettabile… gli scacconi giganti… cazzo!). e questo ancora è il meno. Perché il film si veste da horror, ma in definitiva mostra come in questa famiglia folle sotto ogni punto di vista, tutti vivano in un equilibrio perfetto, finché l’arrivo di questo ragazzo non cambi decisamente i rapporti di forza e i sentimenti in gioco; e questo è l’80% del film. Il resto è invece l’effetto sul ragazzo, sull’ossessione che gli cresce dentro e gli scacchi che da mezzo per la fuga diventano il fine ultimo.

Il film coinvolge tantissimo (soprattutto fino al finale, poi si perde) e la regia gioca con le aspettative dello spettatore assuefatto al genere (la classica soggettiva da film horror che si rivela essere solo un movimento di camera).

Punto in più, quando si pensa ad una partita a scacchi che decide della vita e della morte non si può non pensare a “Il settimo sigillo”. Punto in meno, le pessime scene in CG delle partite, francamente inutile e mal fatto.

PS: Rue des Ormes in inglese si traduce con Elm street...

Nove regine - Fabián Bielinsky (2000)

2011-12-05T03:13:00.000-08:00

(Nueve reinas)

Visto in DVD. Un giovane truffatore incontra per caso un truffatore più scafato che lo assolda per la giornata visto che il suo socio è scomparso. Fatalità proprio durante la stessa mattinata gli capita il colpo della vita. Fra continui sospetta di essere fregato il giovane accetterà di far parte del gioco…

È un film di truffe, quasi un genere a se (che adoro). Qui c’è tutto il compartimento classico. Figure solitarie ed astutissime; una lunga carrellata di trucchi del mestiere; la morale sul fatto che i veri ladri son altri; lo scontro di personalità diverse che devono convivere; poi il colpaccio, la pianificazione, la realizzazione e i continui compromessi per appianare gli inevitabili ostacoli dell’ultimo minuto. Ovviamente ogni film di truffe deve poi avere un colpo di scena finale che sveli la grande truffa nascosta agli occhi dello spettatore (truffa finale che, tra l’altro, viene più volte paventata anche dallo stesso protagonista).

Che dire, il film è un buon esempio di mediocrità. Tutto funziona bene, le regole vengono rispettate senza fantasia, gli attori fanno il loro porco lavoro con stile (più i comprimari che i due coprotagonisti a dire la verità), i trucchi sono abbastanza da appagare la sete di conoscenza di ogni aspirante truffatore di paese…

Quello che fa realmente la differenza qui è il colpo di scena finale, assolutamente inaspettato e perfetto, tutto il film è un lodevole numero di prestigio che distoglie l’attenzione dando continue informazioni superflue e distrae credendo di stare a guadare la solita storia. Il finale alza decisamente il livello del film; per carità non ne migliora la qualità, ma rende più soddisfacente la visione delle due ore precedenti, si insomma per tutta la durata dell’opera pensi di stare guardando l’Ocean’s thirteen del Sudamerica e improvvisamente ti rendi conto che invece era un Ocean’s eleven senza fronzoli e ironia.

PS: reiterata, quanto immotivata, citazione di Rita Pavone.

Tirate sul pianista - François Truffaut (1960)

2011-12-02T01:07:00.000-08:00

(Tirez sur le pianiste)

Visto in DVD.
Dopo I 400 colpi Truffaut voleva cambiare completamente genere e si prodigò nella realizzazione di un noir… che poi tanto lontano dai 400 colpi non è, dato che è un film introspettivo fatto di agnizioni personali e famiglie disfunzionali… ma tant’è.
Il film racconta di Aznavour pianista di successo che per una disgrazia accaduta per colpa sua si cambia nome e si nasconde suonando il pianoforte in un localino di cui diventa la piccola attrazione. Tutto va per il meglio finché non arriva il fratello inseguito da due ladri con cui aveva fatto un colpo e a cui non vuol dare la loro parte. Il pover’uomo verrà trascinato verso il fondo con il parentado e a farne le spesa sarà pure la nuova sua nuova fiamma con cui proprio in quel momento intreccerà una storia d’amore.

Film lento ed anempatico che sproloqui sui massimi sistemi senza motivo e fa accadere le situazioni come se dietro non ci fosse nessuno che decide cosa ci sarà nella scena successiva. Il protagonista è inquietantemente grigio e distacca lo spettatore dal film in maniera impensabile. In una sola frase direi che è la quint’essenza del luogo comune discriminativo del cinema francese.

Alcune sequenze rimangono comunque degne di nota (è pur sempre Truffaut) come la scena in cui il protagonista ci prova con la ragazza, tutta una serie di decisioni e ripensamenti che risultano poi in un nulla di fatto; bella anche la battuta sul fatto che “al cinema, più di così, non ti fanno vedere”…

Quando i mondi si scontrano - Rudolph Maté (1951)

2011-12-01T02:38:00.000-08:00

(When worlds collide)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Oh, un film di fantascienza anni ’50 con tutti i crismi. Uno scienziato buono che capisce tutto subito, avverte il mondo, ma viene scherzato come fosse l’ultimo dei geologi; un cattivo che però è parte integrante del progetto; il dubbio che via via si insinua sulla veridicità di ciò che sta accadendo; e poi astronavi che devono salvare l’umanità (almeno una parte) e l’atroce sacrificio dei buoni. Ecco questo è il film.

Poi se vogliamo andare nel dettaglio, un pianeta si scontrerà con la terra distruggendola, uno scienziato ha la pensata giusta, saltiamo sul pianeta che vince e ricostruiamo una civiltà tutta nuova e piena d’amore… ma non tutto riuscirà ad andare come previsto.
Cosa si può volere di più; un’apocalisse prevista che lentamente si avvicina e viaggi interstellari visti con l’ingenuità tutta particolare degli anni ’50. Se si aggiungono dei fondali fantastici del cantiere del razzo spaziale si è detto tutto. La presenza di Maté alla regia, più che un valore aggiunto è un dato di fatto.

La porta dell'inferno - Teinosuke Kinugasa (1953)

2011-11-30T02:07:00.000-08:00

(Jigokumon) aka La via dell'inferno, aka Gate of hell

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato.
XII, per mettere in salvo la sorella dell’imeperatore, diverse dame di compagnia vengono fatte uscire dal castello scortate dalle guardie per non far capire agli aggressori quale sia quella autentica. Una volta tornata la pace l’imperatore chiede a tutti i soldati più valorosi che premio desiderano; il protagonista chiede la mano della dame che scortò. Purtroppo però pare essere già sposata. La cosa non fermerà il protagonista, ma lo porterà alla follia. Minaccerà la ragazza per farsi aiutare ad uccidere il di lei marito, ma all’ultimo la donna si sostituirà allo sposo facendosi ammazzare.

Drammone in costume sulla follia derivante dalla more, cupo e definitivo come pochi. Avrebbe tutte le carte in regola per essere un gran film… invence no ovviamente. Lento, noioso, enfatico ed inutilmente parlottato rallenta ogni scena come se volesse addormentare anche il macchinista, il tecnico del suono e quello delle luci. Impossibile guardarlo di filato.
Belle invece le scenografie ed i costumi esaltati dai colori chiassosi, unico motivo di vanto e probabile unico motivo per la caterva di premi vinti (palma d’oro a Cannes e oscar al miglior film straniero!!) che stupirono pure il regista stesso, che considerava pessimo il film, fatto su commissione…

Memories of murder - Joon-ho Bong (2003)

2011-11-29T01:58:00.000-08:00

(Salinui chueok)

Visto in DVD. Metà anni ottanta, Corea del Sud, un serial killer uccide alcune donne, di notte, mentre piove e mentre in radio suona una canzone… Ai poliziotti di provincia, brutali e grossolani, viene affiancato un ispettore di Seul, più raffinato come ragionamenti e come modi. La storia è quella delle indagini del primo serial killer della Corea ed il film vorrebbe essere una cronaca quasi esatta (nelle intenzioni del regista) anche se a conti fatti piuttosto ironica e divertente.

Il film è veramente bello, ben realizzato e ben costruito con alcune sequenze su più piani notevoli (come la famosa scena della festa con il il capo della polizia e un poliziotto in secondo e terzo piano mentre nel primo ci sono i due protagonisti che discutono).
Ma la vera forza del film è nella sceneggiatura, in parte perché accosta un argomento tragico con modi farseschi e divertenti che alleggeriscono il tono, ma soprattutto perché non è un giallo classico, il punto centrale di questo film non è la scoperta del colpevole, ma il dipanarsi delle indagini in se. Il finale poi, pur non essendo un colpo di genio ha dell’originale dato che l’unico altro racconto/film che ricordo finire allo stesso modo è “La promessa” e forse “Zodiac”.

La ballata di Cable Hogue - Sam Peckinpah (1970)

2011-11-28T02:30:00.000-08:00

(The ballad of Cable Hogue)

Visto in DVD, in lingua originale sottotitolato.

La storia di un self-made man, che trova l’acqua in mezzo al deserto e ne ricava un business, si innamora di una prostituta e la porta con se, ma dopo un poco la donna, pure innamorata, decide di andarsene…

Film realizzato subito dopo Il mucchio selvaggio, ma Peckhinpah decide di cambiare completamente tono e realizza una commedia. Impensabile!

Il film riesce da dio nella prima parte, nel descrivere il solito crepuscolo del west dal punto di vista in un uomo più astuto nello fruttare le occasioni che non intelligente e più fortunato che capace. Mostrandone anche la calma voglia di vendetta che coltiva senza enfasi e senza pretese per anni… il problema del film arriva con la storia d’amore. Con il personaggio della prostituta il film si appiattisce sulla solita storia da romanzetto perdendo completamente la carica iconoclastica della parte iniziale. E neppure l’assurdo finale riesce a rialzare in questa il film, pigiando solo sull’acceleratore del grottesco.

PS: davvero all’epoca le accelerazioni dei movimenti facevano ancora ridere?! Davvero ce n’era bisogno?!

PPS: curioso come nè il testo della canzone, nè il video centrino alcunchè con il film...

L'ultima spiaggia - Stanley Kramer (1959)

2011-11-25T01:39:00.000-08:00

(On the beach)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in inglese.
La terra è stata distrutta da una guerra atomica dalle origini sconosciuto, tutto quello che si sa è che l’ultima zona adatta alla vita (cioè con poche radiazioni) è l’Australia (perché è lontano da tutto), ma i movimenti delle masse d’aria potrebbero presto porre fine alla vita umana anche li. Un sottomarino in missione cercherà di capire se qualcuno si è salvato a San Francisco (c’è un insistente e regolare messaggio morse che proviene da la) e se rimane qualche speranza.

Uno dei primi film catastrofisti sul nucleare dell’epoca (prima dei vari Dottor Stranamore o Fail safe). Tra i primi Kramer si cimenta nel genere e lo fa con un cast all star (Perkins, Peck, Astaire e Gardner sono i quattro coprotagonisti).
Il film si distingue per la nota amarissima, per la totale assenza di speranza ed il senso di morte ineluttabile che aleggia su tutti sin dalle prime scene. In definitiva viene mostrata la razza umana posta di fronte all’apocalisse… e devo dire che gli australiani reagiscono in maniera fin troppo garbata.

Il film le prova tutte per spingere sul melodrammatico, l’amore interrotto fra la Gardner e Peck perché lui deve seguire i suoi uomini (tutti facenti parte della marina USA) che vogliono tornare a morire a casa; la famigliola appena formata e già distrutta di Perkins; la distribuzione pubblica di pillole per una dolce morte con lunghe file d’attesa; ecc… eppure non riesce mai a cogliere nel segno. Non bastano gli occhi da cane bastonato di Perkins per rendere più empatico un film distaccato e gelido, che cerca il conivolgimento aumentando l’entità del dolore e basta. In definitiva due ore di ghiaccio per vedere la versione dell’apocalisse vista dal Commonwealth.

L'uomo che sapeva troppo - Alfred Hitchcock (1956)

2011-11-24T03:25:00.000-08:00

(The man who knew too much)

Visto in tv.

Chissà com’è vedere un film di Hitchcock senza conoscerne già il finale… forse rende di più….

Questo film è un noto auto remake di un film inglese degli anni ’30 e ci presenta Doris Day e James Stewart in vacanza in Marocco con il figlioletto. Accidentalmente vengono a conoscenza di un attentato che avverrà a Parigi e da quel momento ci sarà un gioco di spie che rapirà il figlio per farli tacere, ma obbligherà la coppia e cercare di risolvere la situazione da soli.

Classicissimo film di Hitchcock che mette in campo perfettamente la sua capacità di regia, di messa in scena della tensione e di ironia (fantastica la scena dal tassonomista). Come dicevo è un film che già ho visto, ma credo che il colpo di scena (almeno in inglese) sia notevole e possa effettivamente rendere il film un buon thriller di livello.

Su tutto va reso onore al suono. Questo è un film fatto totalmente sugli elementi sonori, dal grido che salva la vita al primo ministro, al concerto che dovrebeb coprire lo sparo, dalla canzone di Doris Day, al fischiettio del bambino. Credo fosse dai tempi di M che il sonoro non aveva un'importanza capitale nello svolgimento di un film.

Poi la regia... Le attenzioni dietro le macchine da presa sono mille e se, l’ingresso nella stanza d’hotel dei protagonisti in Marocco del personaggio che scopriremo poi essere il killer, risulta essere la miglior entrata in scena della filmografia di Hitchcock; mentre la canzone (Que sera sera, canzone realizzata proprio per questo film) che raggiunge i piani superiori della ambasciata è il miglior uso del montaggio; la scena che però nel complessa risulta la migliore per efficacia e originalità è quella del tentato omicidio durante il concerto; stupenda.

800 balas - Alex de la Iglesia (2002)

2011-11-23T02:35:00.000-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in italiano. Un ragazzo, orfano di padre e oppresso da madre e nonna scopre di avere ancora il nonno in vita. Lo cerca e lo trova in un villaggio del west ricostruito utilizzato negli anni ’70 come set degli spaghetti western. Li il nonno fa spettacoli per i turisti, ma una volta ero lo stuntman ufficiale di Clint Eastwood. Quando la madre del ragazzo scopre dov’è finito, per vendicarsi decide di distruggere il villaggio per farci… un qualcosa che non ho ben capito (è a capo di una ditta). I figuranti decidono di chiudersi nel villaggio e resistere con le armi contro le ruspe. E qui il film diventa veramente un western a tutti gli effetti con le dinamiche che prima sono state raccontante che si innescano ad una ad una fino al duello finale.

De la Iglesia passa di genere in genere e stavolta tocca il western e lo fa nel migliore dei modi. Non si accontenta di realizzare un film citazionista nelle scene, no, lui dichiara chi vuole imitare, fa i nome ed i cognomi, racconta quello che c’è stato e poi porta la storia a dover per forza diventare identica ad uno spaghetti western, imitandone anche alcune scene (la sequenza del ragazzo sotto le travi presa da Per un pugno di dollari), ma de la Iglesia ci è arrivato alla citazione, l’ha cercata e se l’è meritata. Non cita per mancanza di idee, ma per motivi di regia. Bravo…

Complessivamente poi il film è divertente e abbastanza movimentato, con la regia classica dello spagnolo… però manca completamente il classico cinismo delle opere precedenti e successive. I personaggi non sono brutti sporchi e cattivi come al solito, si limitano ad essere solo brutti e sporchi, ma sotto sotto sono degli eroi tout court, senza macchia e senza colpa. Il film intrattiene da dio, ma manca quel lato negativo dei protagonisti che rendono i film di de la Iglesia qualcosa di originale e di unico.

Buffo comunque l'aspetto totemico che ha assunto la figura di Clint Eastwood in ambito westerniano e questo mentre è ancora in vita (non per tirargliela), neppure Marlon Brando... questo film e Rango sono solo gli esempi più recenti.

PS: non sono sicuro che sia del tutto legale la scena in cui la prostituta insegna al bambino a toccare le tette

PPS: le 800 pallottole del titolo sono quelle che vengono comprate per difendere il villaggio del west.

La fontana della vergine - Ingmar Bergman (1960)

2011-11-22T03:01:00.000-08:00

(Jungfrukällan)

Visto in DVD. L’unica figlia di una coppia di possidenti della Svezia medievale viene violentata e uccisa mentre se ne va a portare dei ceri alla Madonna. I tre vagabondi responsabili del delitto cercano rifugio proprio nella casa dei genitori della ragazza e provano a vendere alla madre i vestiti rubati dal cadavere della figlia. La vendetta sarà terribile.

Che film enorme. La trama è di una semplicità e una banalità impressionanti, ma tutto quello che ci gira intorno lo rende titanico.

Bergman ci imbastisce una storia densa di significati metafisici, ragiona sulla ragione e sui sentimenti, ma soprattutto (come sempre nei suoi film) su Dio, anzi in questo caso sugli dei. Il rapporto principale in questo film è quello fra il paganesimo della cameriera e l’insistente religiosità cristiana della famiglia. Entrambe verranno messe alla prova, entrambi gli dei risponderanno alle chiamate, ognuno a modo suo.

Inoltre la fotografia del film è quella perfetta di Nykvist quando gioca con il bianco e nero e la regia si mette a posizionare la macchina da presa in posizioni sopraelevate e in primissimi piani come poche volte aveva fatto in precedenza. Le scene sono costruite con un’estetica maggiore rispetto agli altri film di Bergman… inoltre questo è l’ultimo film del regista svedese in cui Dio risponderà alla chiamata di Max von Sydow.

Togetherness supreme - Nathan Collett (2010)

2011-11-21T01:20:00.000-08:00

(Id.)

Vistoal Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.
Il vincitore del festival di quest'anno è un brutto film.

La storia è quella che precede le elezioni del Kenya del 2007, quando più che uno scontro politico si assiste fra lo scontro di due tribù. Due amici che vivono nella baraccopoli di Kibera (possibile che tutti i film kenioti che ho visto siano ambientati sempre li?!) sono, ovviamente, delle due opposte tribù, ma combattono sullo stesso fronte, quello della tribù che subisce e che cerca il riscatto... più o meno tutto qui... ah già, sono innamorati della stessa donna.

Quello che sorprende in negativo non è la banalità della trama (mica possono essere tutti originali i film), nè l'incompetenza degli attori (che sono presi dalla strada e in quest'ottica non sono proprio malvagi...) e neppure la regia (che tutto sommato si difende e nella parte iniziale regala anche qualche momento veramente riuscito); il problema qui è la storia, la sceneggiatura. Le situazioni si susseguono caotiche, i personaggi si comportano in maniera stupida o esagerata in ogni momento e i fatti importanti sono spesso eclissati dalle banalità (qualora non siano proprio stati momentaneamente dimenticati dalla sceneggiatura). Il problema non è che in un film del genere si pretende un capolavoro in ogni ambito della realizzazione, ma il minimo sindacale si!

Les Barons - Nabil Ben Yadir (2009)

2011-11-18T01:34:00.000-08:00

(Id.)

Visto al Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.
Bruxelles, la seconda generazione di origine magrebina ha ormai 30anni, tra di loro ci sono tre amici, “i baroni” del quartiere, un trio di nullafacenti che tira a campare con i soldi altrui, macchine comprate in comune e dormendo nel negozio di verdure di un amico. Tra loro Hassan, ha il sogno di diventare cabarettista (ma il padre la considera una professione poco dignitosa) e ama la sorella di un amico che, come tale, è però intoccabile.

Commedia fantastica ricca di gag, ironia e autoironia, trovate sceniche e di regia favolose che avvicinano il film a “Il favoloso mondo di Amelie” al netto della componente fantastica.
Il film funziona perfettamente, mostrando un gruppo di figli di emigrati integrati in una società in di cui fanno parte senza esserne castrati, anzi guardandola con tutto il cinismo e l’ironia di cui sono capaci.
Ma come ho detto, la parte del leone la fa la regia, che gioca con i canoni del cinema (per introdurre un flashback, il protagonista cambia stanza seguendo una freccia su cui c’è scritto proprio “flashback”; o i ripetuti monologhi del protagonista mentre guarda in camera) e li adatta ad un ambiente cartoon esco, creando esattamente quel misto fra commedia e cartone animato che ha reso grandioso il film di Jeunet.

Bello e godibilissimo il film, bravo senza “se” e senza “ma” Nabil Ben Yadir (soprattutto perché riesce a non esagerare mai). Unico neo; le battute che fa il protagonista sul palco del cabaret non fanno ridere; ma proprio per niente.

Il film è stato preceduto dal corto d’animazione “The legend of Gong Hill” di Kwame Nyon’g. la storia è tratta da una leggenda Masai (Kenia) sulle origini delle colline del titolo ad opera di un orco ucciso grazie all’astuzia di una donna. L’animazione non è esattamente felice, ma i disegni hanno il tratto chiaro e semplificato dei più recenti cartoni della Disney; la storia non è memorabile, ma rimane impresso soprattutto perché è il primo film d’animazione decente africano.

Tamantashar yom - AAVV (2011)

2011-11-17T02:17:00.000-08:00

(Id.) aka "18 days".

Visto al Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.

Film collettivo, a episodi, che racconta la rivolta di piazza Tahrir e la caduta di Mubarak. Il film raccoglie un po il meglio della manovalanza cinematografica egiziana tra cui gli unici due registi che conosco. Complessivamente il risultato è ottimo.
Solitamente in un film ad episodi il risultato è buono, nella migliore delle ipotesi, facendo al media fra le varie parti; in questo caso invece la qualità di realizzazione del film è mediamente eccezionale e a stabilire la superiorità di un episodio dagli altri è unicamente la trama.
Anche dal punto di vista delle storie raccontate è curioso come tutti i registi abbiano preferito parlare indirettamente di quanto è accaduto; solitamente i personaggi vivono ciò che avviene nella piazza dalla propria abitazione o dal negozio (o dal manicomio) e nessuno, se non la ragazza del secondo episodio è coinvolto direttamente fin dall’inizio. Una scelta curiosa che si fa estrema nel fantastico pezzo realizzato da Abdalla.
Altro fatto curioso, ma lodevole, pur essendo un film decisamente schierato contro Mubarak e quindi favorevole alla rivolta, non prende mai una posizione netta, mostrando in quasi tutti gli episodi i lati positivi di chi difendeva il presidente ed i lati negativi, le paura o le piccole vigliaccherie di chi protestava. Incredibilmente super partes nel dare torti e ragioni pur essendo schierato e pur essendo a pochissima distanza dai fatti raccontati.
Nel dettaglio:

RETENTION: di Sherif Arafa. Divertente descrizione della rivolta filtrata attraverso un gruppo di ospiti di un manicomio nei pressi di piazza Tahrir; ovviamente i personaggi sono un campione dell’intero popolo egiziano e si dividono in favorevoli a ciò che accade (per le più disparate ragioni) e contrari. Divertente, realizzato benissimo (soprattutto la presentazione dei personaggi), ma sostanzialmente inconcludente.

GOD’S CREATION: di Kamla Abu Zekry. Uno dei più tragici, una ragazza ortodossa mussulmana che si tinge i capelli, ma rimane comuqnue schiacciata dal senso di colpa per averlo fatto (Allah non vuole che si cambi il proprio aspetto) e che rimane coinvolta per sbaglio nella guerriglia in piazza Tahrir e mentre viene picchiata dai poliziotti si chiede se quello è un martirio ed in quel caso, se potrà andare in paradiso o se i capelli tinti la porteranno comunque all’inferno. Bello, uno dei più drammatici.

19-19: di Marwan Hamed. Un ragazzo si trova in una prigione del regime, è accusato di essere uno dei promotori della rivolta e torturato per avere informazioni che non sembra avere. Anche in questo caso, come nel primo episodio, la bella realizzazione non sopperisce alla mancanza di una conclusione vera e prorpio, o meglio, non sopperisce alla mancanza di un obbiettivo.

WEHN THE FLOOD HITS YOU…: di Mohamed Aly. L’unica vera e propria commedia del film; un gruppo di persone ragionano su come si possa sfruttare economicamente la situazione, vendendo bandiere ai rivoltosi o immagini del presidente ai difensori del regime; tutto indipendentemente dalle proprio opinioni politiche. Decisamente positivo il risultato che alleggerisce un po il clima generale.

CURFEW: di Sherif Bendary. Nonno e nipote di ritorno dall’ospedale sono bloccati fuori dal loro quartiere dal coprifuoco indetto dalla polizia, vagheranno tutta la notte in cerca di una via di accesso fino a desistere e dormire in macchina. Finale francamente immotivato (il bambino sul carro armato), ma l’episodio è simpatico e riesce bene.

REVOLUTION COOKIES: di Khaled Marei. Un sarto ha il negozio nei pressi di piazza Tahrir è appena uscita dall’ospedale dopo un coma diabetico, non sa nulla della rivolta scoppiata due giorni prima, andato al lavoro sarà vittima involontaria dei lacrimogeni della polizia e si barricherà nel proprio negozietto, con poche medicine, qualche biscotto e delle cassette su cui registrerà le sue impressioni su quanto sta accadendo (lui ipotizza una guerra contro l’Egitto). Deciderà di uscire poco prima della fine di tutto, ma verrà scambiato per un poliziotto… Amaro e in certa misura prevedibile, ma l’idea è buona e, anche se non sfruttata a dovere, rende piuttosto bene.

#TAHRIR 2/2: di Mariam Abou Ouf. Un uomo senza molti mezzi e con famiglia a carico viene ingaggiato da un amico per fare il figurante in una manifestazione in favore di Mubarak, rimarrà coinvolto negli scontri. Ben realizzato, anche se meno dei primi, non aggiunge nulla di nuovo, ma sottolinea ancora una volta come non sia importante la partecipazione diretta a ciò che è successo, ma conta il rapporto indiretto con le manifestazioni, gli affetti e le emozioni legate a quegli scontri e la tv (diciamo le immagini) come mezzo di informazioni di ciò che accadeva a poca distanza.

WINDOW: di Ahmad Abdalla. Decisamente il più originale fra tutti gli episodi è diretto dal regista del bello, ma inutile, “Heliopolis”. La rivolta è raccontata attraverso la vita di un ragazzo che vede ciò che accade attraverso i movimenti della vicina di casa (attivista di piazza), le immagini di youtube e gli aggiornamenti di messenger, oltre che attraverso qualche titolo dei giornali. La rivolta è vista attraverso gli occhi del computer (o attraverso la cecità del computer nei giorni in cui internet fu oscurato), senza nessun dialogo. Originale, perfetto e decisamente la miglior descrizione di ciò che è stato quel periodo.

INTERIOR/EXTERIOR: di Yousry Nasrallah. Una ragazza vuole partecipare alle rivolte di piazza, ma il marito non glielo permette…Quando lei fuggirà, lui la seguirà e si uniranno alla folla… probabilmente il più inutile fra tutti gli episodi, qui i motivi di interesse sono praticamente nulli, peccato perché dietro la macchina da presa c’è il regista dello stupendo “Sheherazade”.

ASHRAI SEBERTO: di Ahmed Alaa. Un giovane barbiere ha il proprio negozio proprio a due passi dagli scontri tra manifestanti e polizia, suo malgrado diventerà il rifugio dei feriti e lui stesso sarà costretto a curare e cucire. Ultimo episodio della serie, decisamente buono, anche se inferiore a molti altri, credo sia stato messo qui per il messaggio positivo e di incoraggiamento che lancia.

Il film è stato preceduto dal corto “La priere” di Hyacinthe Nyong’o. È uno sketch di 3 minuti (il film credo fosse l’esame finale del regista), in cui ad un sontuoso pranzo d’affari in Cameroon, uno degli ospiti innalza una preghiera in lingua bamileke affinchè possa spiegare all’amico come utilizzare le posate in maniera corretta, senza che gli altri lo capiscano.

Africa united - Debs Peterson (2010)

2011-11-16T05:42:00.000-08:00

(Id.)

Visto al Festival di Cinema Africano (fuori concorso); in lingua originale sottotitolato.
Un ragazzino che vive in una baraccopoli in Ruanda è amico di un giovanissimo asso del calcio (di famiglia ricca) che viene notato e scelto per rappresentare lo stato all'apertura dei mondiali di calcio in Sud Africa. I due ragazzi si mettono in viaggio verso Kigali, ma un problema con l'autobus li porterà invece al di la del confine del Congo. Sfumata la possibilità di presentarsi per tempo alle selezioni decidono di andare direttamente in Sud Africa per cercare di trovare il talent scout e farsi dare una seconda possibilità. Durante il percorso attraverso 7 stati africani incontreranno altri ragazzi che si uniranno al gruppo.

Un film due volte di genere visto che si tratta di un film per ragazzi e in più un film di viaggio. Ma nonostante questo la giovane regista riesce a dribblare tutti i difetti base insiti nelle due nicchie.
I ragazzi che vengono presentanti non sono bambini che si comportano da adulti né sono ragazzotti incredibilmente più intelligenti degli adulti che riescono a battere ad ogni costo.
Inoltre il film, che è un film ad episodi disgiunti come tutti i film di viaggio, riesce comunque ad avere un aspetto unitario e a non sembrare spezzato.
Inoltre (altro rischio enorme) non risulta eccessivamente metaforico. In un film in cui i ragazzi che rappresentano diversi stati africani e che sono pure un ex bambino soldato, una prostituta minorile e un sieropositivo, riescono comunque a toccare l’argomento, trattarlo brevemente in maniere evidente, ma non rimanerci sopra per rendere i personaggi delle figure allegoriche senza personalità. Ecco forse questo è il più grande pregio del film, descrive degnamente i personaggi.

La sceneggiatura è davvero ottima, divertente, rapida e mai banale nel reiterare i meccanismi ridondanti di un film di viaggio (partenza, arrivo in un nuovo ambiente, contatto con gli autoctoni, ecc…) e crea personaggi completi, su tutti il giovane protagonista, vero mattatore del film. Dei difetti ovviamente li ha, quando deve a tutti i costi creare uno strappo tra i due amici nel momento del cambio di banconote o nella partita a calcio alla frontiera (immagine molto bella comunque) che sono situazioni veramente tirate fuori a forza. Però complessivamente il risultato è decisamente positivo.

Infine la regia. Fantastica. Debs Peterson fa tutto quello che ne ha voglia, ritaglia un paio di momenti efficacissimi (l’incipit con il bambino che spiega come costruire un pallone da calcio con un preservativo e nel farlo spiega i pregi del sesso sicuro; o ancora la falsa entrata nello stadio di Kigali dei due amici creata con un montaggio parallelo ben utilizzato) e per il resto si comporta in maniera dignitosa azzeccando pure degli innesti di animazione con unione fra stop motion e disegni.

Incredibilmente il migliore dei film visti finora.

Il film è stato anticipato dal corto "Mwansa the great" di Rungano Nyoni che si sposa perfettamente con il film, raccontando la storia di un bambino della dello Zambia, orfano di padre che si perde nella propria fantasia modellando con essa il mondo che lo circonda; la fusione fra le immagini reali e quelle create dal bambino risulta perfetto ed il film funziona alla perfezione. Bello.

Pegase - Mohamed Mouftakir (2010)

2011-11-15T01:51:00.000-08:00

(Id.)

Visto al Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.
Marocco. Una psichiatra è richiamata ad occuparsi di una ragazza trovata in stato confusionale di notte, con segni di collutazione. Deve capire chi è e che cosa è successo. La situazione che ne viene fuori è quella di una ragazza nata in una famiglia "complicata", con il padre che tenta di far credere a tutti che lei sia un maschio per nona vere il disonore di essere un capo tribù senza discendenti e ne ostacola l'amore nei confronti di un coetaneo e... beh farà di peggio... Ma questa che sembra essere una conclusione non è che l'inizio di un film che, del twisted plot finale, ne fa l'epicentro della vicenda.

Si c'è un colpone di scena finale che costringerà a riconsiderare quanto visto fino a quel momento.
L'idea in se non è esattamente originale (credo che nell'ultimo decennio sia stata usata a annualmente in almeno 2 o 3 pellicole), ma in realtà la tratta bene; dissemina indizi fin dalle prime scene, lambisce l'argomento in più di un momento quel tanto per tenere desta l'attenzione, ma senza mai lasciare intedere troppo... No perchè il colpo di scena è iper abusato, ma io mica c'ero arrivato prima che lo dicessero apertamente.
Pure la messa in scena merita un encomio, fotografia di prim'ordine, gelida per le scene in città e caldissima per quelle ambientate nel deserto; tutto girato in interni o quasi (e pure gli esterni non danno sfogo alle scene che risultano comuqneu claustrofobiche) con una conoscienza e una comprensione di quello che si fa invidiabile.
Tutto questo unito al fatto che viene ricostruito un ambiente ambiguo e straniante fin da subito, una sorta di città fantasma dove a muoversi sono solo gli ambigui protagonisti della vicenda; tutto questo dicevo dovrebbe far propendere per considerarlo un grand e film...
Purtroppo il regista sembra essersi preoccupato troppo della forma per ricordarsi del ritmo ed il film soffre di una lentezza eccessiva che in più punti sfocia nel tentativo di addormentare il pubblico... Peccato.

Il film è stato preceduto dal corto "Tinye so" film del malinese Daouda Coulibaly che parla in maniera tutta sua dell'ultimo avvertimento degli antenati (gli spiriti degli antenati che proteggono i viventi) ad una città del Mali per convincere la popolazione tornare al passato...
Il film è tutto improntato su colori pienissimi e guidato da una macchina da presa che per essere più mobile doveva solo essere allacciata dulla schiena di un canguro (fa davvero di tutto e sempre con competenza); esteticamente bello sotto ogni punto di vista, come spesso succede latita in comprensione...

La voyage à Alger - Abdelkrim Bahloul (2009)

2011-11-14T01:27:00.000-08:00

(Id.)

Visto al Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.
Algeria post rivoluzione anti-francese. Appena ottenuta l'indipendenza una vedova di guerra ed i suoi sei figli si vedono regalata una casa di un ex dignitario francese. Purtroppo la stessa casa è stata addocchiata da un ex collaborazionista riciclatosi tra le fila dei vincitori; l'uomo farà di tutto per cacciarli dall'edificio utilizzando metodi leciti, utilizzando le sue conoscienze e cercando di ostracizzare l'intera famiglia (compreso il fratello della donna). La donna si deciderà ad un'azione di forza interpellando direttamente il neo presidente dell'Algeria, Ben Bella; essendo lei analfabeta partirà per Algeri per incontrarlo con uno dei soui figli. Ovviamente non riuscirà a parlare con il presidente, ma la sua storia, la sua convinzione e la sua forza di volontà la porteranno fino al ministro della difesa che si preoccuperà di inviare qualcuno per risolvere il probelma.

Intanto bisogna subito dire che il film è ben realizzato. Stavolta sia alla sceneggiatura, sia dietro la macchina da presa c'è qualcuno che come minimo conosce il proprio lavoro. La confezione è ben fatta.
La storia poi non spicca per originalità; è la solita storia del singolo contro un sistema, della giustizia personale portata avanti dalla sola forza di volontà che, ovviamente, si scopre essere vincente... però in questo film il finale tira fuori qualcosina di nuovo. Solitamente il politicamente corretto è sempre presente in questo genere, invece qui la giustizia finale viene ottenuta con la minaccia, la forza, il rischio di omicidio legalizzato e soprattutto una violenza mai realizzata, ma sempre sul punto di esplodere; in fondo siamo comunque in un dopo guerra. Per carità è solo un accenno che poi si stempera nel lieto fine classico... però è qualcosa in più rispetto alla norma.

Il film è stato anticipato dal corto "Garagouz" di Abdenour Zahzah. La storia è quella di un burattinaio e suo figlio in viaggio verso un villaggio dell'Algeria dove dovranno fare uno spettacolo per dei bambini. Durante il viaggio però, ad uno ad uno i burattini vengono regalati, usati come tangente o distrutti da dei fondamentalisti. Rimarranno senza spettacolo e dovranno inventarsi qualcosa... Per carità non è proprio malvagio, ma ha il difetto di molti cortometraggi, non ha un vero e proprio obbiettivo e si limita a mostrare una serie di eventi.

Black gold - Jeta Amata (2011)

2011-11-12T02:20:00.000-08:00

(Id.)

Visto al Festival di Cinema Africano (in concorso); in lingua originale sottotitolato.

Il film di presentazione del festival è un film con un budget direi cospicuo di Nollywood che racconta la vita di una sostenitrice dei diritti umani nata nel delta del Niger (Nigeria) in un ambiente corrotto dove una compagnia petrolifera dirige e distrugge tutto ciò che tocca.
Questo in buona sostanza può essere il riassunto della trama.

Lo voglio dire subito, il film è pessimo. A renderlo un brutto film non è la recitazione mediocre, le scene di massa con poche comparse, l'uso insistito del CG per fuoco e sangue (che tutto sommato mi sembra anche venuto bene), l'utilizzo di ex quasi-glorie del cinema USA come richiamo (che tra l'altro avere Eric Roberts, Tom Sizemore, Michale Madsen e un pelatissimo Billy Zane, è un motivo di vanto senza se e senza ma), la noia che aleggia leggera in tutta la parte centrale e direi che neppure è la veicolazione insistita del "messaggio" del film (la critica nei confronti dello stato del delta del Niger e della corruzione è urlato addosso allo spettatore nella prima scena! Poi viene urlato pure nella secona! Nella terza no. Ma nella quarta di nuovo! e così via... ma in fondo lo si potrebbe magari passare per ingenuità)... quello che davvero mi ha dato fastidio è la totale mancanza di competenza tecnica in ogni ambito, la totale mancanza di idee e comunque della capacità di mettere in scena il lungo elenco di idee abusate dal cinema di tutti i tempi. Quello che mi infastidisce è la completa incapacità di dirigere e di scrivere del regista-sceneggiatore, che non pago di non essere in grado di fare una cosa, pretende di non farne bene due!

Se i soldi (pochi immagino) che hanno dato a Eric Roberts (che comunque son sompre soldi ben spesi) li avessero usati per pagare uno sceneggiatore decente (o un correttore di bozze) e quelli per Billy Zane li avessoro usati per pagare un regista mediocre sarebbe anche potuto venir fuori un buon film.

Questo film è la più grande dimostrazione che i soldi non sono un elemento determinante la qualità di un'opera.

Edit: sarebbe bastato che mi informassi per 5 minuti in più e avrei trovato che il film è un low budget come pochi altri (e col senno di poi dico anche: è evidente, solo un idiota non riuscirebbe a notarlo), a quanto pare solo 300.000 (dollari? euro? non ricordo già più). Quindi onore al mertio ai vari Billy Zane e compagni che devono aver lavorato per la gloria. Il film rimane comunque un fallimento.

Die Tür - Anno Saul (2009)

2011-11-11T01:11:00.001-08:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato in inglese.
Che film bislacco… Mads Mikkelsen è un artistoide con problemi coniugali che decide sia meglio andare a somministrare del sesso alla dirimpettaia piuttosto che acchiappare farfalle con la fiogliletta di X anni. Proprio mentre lui si impegna con la vicina, la bimbetta muore affogata nella piscina di casa in maniera abbastanza bislacca. Stacco a cinque anni dopo, lui c’è rimasto male, la sua ormai ex moglie c’è rimasta peggio e non lo vuol più vedere evar. Lui disperato passeggia nella neve dove vede una farfalletta, seguendola scopre una porta, che porta ad un tunnel che porta ad un’altra porte e li! Toh, vede se steso che va dalla dirimpettaia proprio nel giorno della morte della figlioletta. Non ci pensa due volte e la salva. Poi però il Mads Mikkelsen che era andato dalla dirimpettaia, vede il Mads Mikkelsen più vecchio, c’è una colluttazione e per sbaglio quello vecchio ammazza il giovane, ovviamente nasconde il cadavere e ne prende il posto. A questo punto uno può dire, bislacco si, ma più di così è difficile. E invece no! Perché presto si scoprirà che c’è un fortissimo flusso migratorio unidirezionale dall’altro mondo al mondo fotocopia, in cui tutti tutti, vengono, ammazzano se stessi e ne prendono il posto! Poi i nodi verranno al pettine quando la moglie di Mads Mikkelsen attraverserà pure lei la porta…

Film bislacco quindi, ma parecchio. Ad ogni svolta narrativa equivale u n malcelato WTF, fino al finale che svacca senza possibilità di recupero, e infatti tutti se ne fregano del casino degli ultimi 10 minuti e l’immagine di chiusura sono i due coniugi che si stringono la manina…

Mah, inutile dirlo, il film si fa seguire senza troppi intoppi, ma c’è da chiedersi se si ha voglia di perdere un’ora e quaranta per vedere tutte le declinazioni del volto di MAds Mikkelsen comprese tra lo spaesato ed il confuso.

Au hasard Balthazar - Robert Bresson (1966)

2011-11-10T03:58:00.000-08:00

(Id.)

Visto in DVD. Che buffo Bresson che fa un film su un asino… ovviamente però è buffo sulla carta, non c’è proprio un cazzo da ridere in un film di Bresson su un asino, anzi, la parabola negativa dell’animale diventa metafora della mesta vita umana. Ma andiamo con ordine…
La storia di un asino dalla nascita in una fattoria in cui, cucciolo pucciosissimo viene utilizzato solo per scopi ludici dai bambini, all’età adulta in cui viene continuamente picchiato, sfruttato e bistrattato da tutti, in ogni ambito ed in ogni situazione fino ad una fine dolorosa ed indecorosa… come dicevo la storia di questo asino si affianca alla storia della sua prima padroncina, Marie, figlia di un uomo con problemi di debiti non suoi, innamorata di un coglioncello locale che con la sua gang di sociopatici maltratta animali e persone, uccide e contrabbanda. I due fuggono, si respingo, fanno cose e vedono gente, finchè lei non tornerà a casa dai suoi genitori, ritroverà un vecchio amore, ma ormai sarà svuotata da ogni possibilità di sentimento, inoltre il suo ex e la sua gang non gli va giù d’esser stati abbandonati e si vendicheranno.

Le due storie in realtà non hanno molto in comune, l’asino (che è assolutamente il protagonista) incontra più e più volte, per tutta la sua vita, Marie, ma i due non hanno eventi in comune molto importanti. Quello che le due storie rappresentano è, al solito, la condizione umana filtrata dal pessimismo cosmico di Bresson.

L’asino mostra l’impossibilità di discernimento, l’inesistenza del libero arbitrio, l’asino non ha mai la possibilità di scegliere il suo destino, quando si rifiuta di eseguire gli ordine viene picchiato più del solito, quando li esegue viene malmenato in maniera standard; quando tenta la fuga viene ripreso e sfruttato nuovamente, non c’è alcuna possibilità di scelta, ne di salvezza. Le scene più rappresentative sono (come dice Farinotti) quella del “gioco di sguardi” tra animali al circo, dove l’asino fissa gli animali nelle gabbie, poi ovviamente la scena della morte, ucciso dagli uomini senza avere responsabilità, muore fra le pecore, le quali al contrario degli uomini non lo maltrattano, semplicemente se ne disinteressano (a loro volta però le pecore subiscono la coercizione dei cani da pastore che le obbliga ad allontanarsi dall’asino).
La storia di Marie invece è più emblematica del giansenismo (secondo cui l’uomo è portato a fare il male in ogni frangente, a meno che non giunga la grazia di Dio) e mostra un lungo susseguirsi di situazione dove quasi ogni personaggio agisce nel peggiore dei modi. Marie stessa, persona sfortunata e vessata dagli eventi, si prodiga per causare dolore in chi le sta accanto.
Due visioni della vita umana, entrambe decisamente negative.

Denti - Mitchell Lichtenstein (2007)

2011-11-09T01:56:00.000-08:00

(Teeth)

Visto in Dvx. Una ragazza della lega anti sesso scopre di essere la portatrice del più atavico degli incubi maschili; la vagina dentata. Ovviamente non sarà lei a farne le spese…

Il film ha il punto di forza di trattare seriamente la cosa. Certamente fa ridere in più di un punto, raggiungendo alcuni picchi di grottesco davvero notevole (su tutte, la lunga scena della visita ginecologica, vince senza contendenti). Tutto sommato il film è però trattato come uno pseudo-drammucolo, con derive comiche e alcune pennellate di splatter. Non si può proprio chiedere altro.

Tutto è eccessivo in questo film, è vero, tutto, dalla descrizione dei personaggi (lei bigotta in maniera esagerata, il fratello di lei esageratamente “contro”), all’ambientazione (la centrale nucleare dietro casa), alle scelte nella descrizione delle scene (con battute storiche come “non posso trattenermi, non mi masturbo da pasqua” o il grido del già citato ginecologo che disperato avverte “la vagina dentata esiste!”) o nell’indugiare della macchina da presa su simboli ginecologici o odontoiatrici. Tutto, come dicevo è eccessivo, me proprio per questo evita che il film scada nel ridicolo e lo aiuta ad essere divertente. Bravi tutti.

Tutti gli uomini del re - Robert Rossen (1949)

2011-11-08T01:52:00.000-08:00

(All the king's men)

Visto in DVD. Un giornalista segue fin dai primi passi l’ascesa di un “giovane” politico, una sorta di rottamatore degli anni ’40 che si pone in maniera aperta e chiara contro i poteri forti. Ovviamente non avrà successo, finchè le sue accuse non si concretizzeranno nel crollo colposo di una scuola, con diversi bambini rimasti uccisi, per la scarsa qualità delle materie prime. Inizierà una carriera che lo porterà nel tempo a divenire sempre più cinico e disilluso, nell’utilizzare il potere acquisito solo per averne di più, arriverà ad una violenza morale e fisica sia ambito politico che privato, passando sopra a chiunque ed utilizzando metodi ben peggiori dei suo predecessori. Finirà malamente.

La parabola politica del self made governatore che viene contagiato dalla follia del potere una volta insediatosi non sarà originale (credo neanche all’epoca), ma sarebbe decisamente funzionante e agghiacciante nella costruzione per il deraglio morale estremo a cui arriva quasto Willie Stark; purtroppo però il film ebbe qualche problema in post produzione. Il montaggio venne rimaneggiato più e più volte da persone diverse con il risultato di rendere la trama meno scandita, a tratti lenta e a tratti saltando porzioni, trasformando la lenta trasformazione dell’uomo buono in cattivo con improvvisi cambi di personalità. Questo problema, più un certo eccesso d’enfasi abbastanza diffuso fanno soffrire terribilmente il film.

Non è più tempo di eroi - Robert Aldrich (1970)

2011-11-07T04:46:00.000-08:00

(Too late the hero)

Visto in DVD. WWII, in un’isola del pacifico condivisa fra inglesi e giapponesi, viene inviato un militare USA che conosce il giapponese per una missione pericolosa. Il film mostra il manipolo di militari che compiono il lungo percorso attraverso la giungla, mettendo in evidenza l’inadeguatezza dei superiori, il menefreghismo e l’opportunismo dei subalterni ed in generale l’antieroismo militanti di tutti i personaggi.

Diciamolo subito, il film intrattiene senza eccessiva noia, e questa è la sua dote principale. Le scene (all’inizio e alla fine) degli uomini nella terra di nessuno dove i compagni al sicuro li incitano come in un gioco sono lodevoli; l’idea del duello a distanza fra il comandante giapponese ed i suoi annunci con gloi altoparlanti ed il manipoli di inglesi, nonché diversi guizzi di amaro cinismo sparsi qui e la sono assolutamente pregevoli… ma a conti fatti sono solo un buon incartante per un film mediocre nella realizzazione, che si fa scudo di un antieroismo fin dal titolo per poi sfociare nella più banale glorificazione del working class hero, mostrando che in situazioni di vera necessità tutti sono in grado di dare il meglio ecc…

Si insomma, una film sbagliato in partenza.

Gli uccelli - Alfred Hitchcock (1963)

2011-11-04T03:17:00.000-07:00

(The birds)

Visto in tv. L’uomo e la natura secondo Hitchcock si risolve in una apocalisse imprvvisa, ben organizzata ed immotivata ai danni della California… e come dargli torto.

La storia è nota. Senza motivo, in una piccola comunità in riva all’oceano, gli uccelli cominciano ad attacare gli esseri umani, dapprima in episodi singoli e senza particolari conseguenze, fino ad un escalation che porterà ad un assalto organizzato alla scuola cittadina e alla casa dei protagonisti.
Diciamo subito i difetti. Tippi Hedren. Non ci posso far molto, mi viene da disprezzarla a priori, anche se stavolta è decisamente più in parte che non in Marnie… comuqnue sia Tippi Hedren mi rimane come difetto principale. Il secondo, il film è piuttosto verboso, più del solito per un film di Hitchcock (come succederà con il già citato Marnie… che sia sempre colpa di Tippi Hedren?!).

In ogni caso è un gran film. Intanto per l’idea originale assolutamente inattesa per uno come Hitchcock (trivia alla imdb; la sceneggiatura originale sarebbe stata scritta da Matheson, ma pare che Hitchcock non l’abbia approvata perché lo scrittore aveva previsto di realizzare “Gli uccelli” senza dover mai inquadrare un uccello). Poi ovviamente Hitchcock creerebbe tensione con l’elenco del telefono, figuriamoci con dei corvi impazziti. Il film si pregia del miglior climax ascendente fino ai tempi di Spielberg. Si inizia con attacchi singoli assolutamente non inquietanti, informazioni di comportamenti non abituali tra i volatili domestici, esiti di attacchi da parte di sconosciuti; poi si passa all’apocalisse vera e propria. Fantastico.

Inoltre Hitchcock ha un’enorme capacità di creare immagini ed in questo film realizza momenti cult, dai corvi sui giochi dei bambini nel cortile della scuola, alla pompa di benzina in fiamme e le scene nella cabina telefonica… poi c’è il finale, surreale e senza spiegazioni. Di nuovo, fantastico.

Il tempo dei lupi - Michael Haneke (2003)

2011-11-03T03:46:00.000-07:00

(Le temps du loup)

Visto in Dvx. In un ambiente contemporaneo, ma post apocalittico (qualche evento disastroso è successo anche se mai dichiarato, tanto che acqua e cibo scarseggiano e la gente fugge dalle città in cerca di una qualche salvezza. In questo ambiente si muove la famiglia di Isabelle Huppert, che dopo la morte del marito si ritrova a tirare a campare con i figli in mezzo ad un’umanità varia e violenta.

Questo film è un po’ la quintessenza delle opere di Haneke, c’è tutto; il gelo e la violenza.

Ogni film di Haneke presenta infatti un algido distacco, un freddo glaciale sia nel modo in cui il regista (e quindi chi guarda il film) si pone nei confronti dei personaggi (in questo la fotografia nelle opere del regista è sempre molto ben definita), sia nel modo in cui i personaggi si muovono gli uni attorno agli altri. Anche in questo film infatti nei rapporti interpersonali c’è una distanza siderale fra i protagonisti, anche tra i famigliari stessi (la morte improvvisa del padre ne è un esempio, i famigliari pur se colpiti dalla cosa non sembrano aver subito il colpo e reagiscono comunque con il silenzio).

In ogni film di Haneke poi viene raccontata la violenza, tanto fisica quanto psicologica, insita nel sistema sociale raccontato. Una violenza mantenuta il più possibile invisibile quando il sistema funziona, ma nel momento in cui qualche pezzo viene perduto tutto diviene evidente. Proprio in questo film ogni sistema sociale viene perduto (per poi essere ricostruito in diversi tentativi di vita in comune, dall’isolamento egoistico del ragazzo al sistema estremamente gerarchico del gruppo di persone che abitano nella stazione, fino al sistema quasi socialista del gruppo che arriva in un secondo momento) e quello che ne viene fuori è la reazione scomposta di reazione dei vari personaggi (non si esageri nell’intendere la mia frase, non viene mai mostrato un solo momento di vera e propria anarchia, ogni film di Haneke è un’operazione matematica precisa e riproducibile). Su tutti spiccano ancora una volta l’omicidio del padre/marito tanto improvviso quanto immotivato nonché lo stupro silenzioso fatto in mezzo al gruppo dormiente.

Poi beh, Haneke si diverte a non spiegare mai nulla; non si sa assolutamente come origini il tutto ne è chiaro come finisca. D’altra parte il regista non punta a raccontare una storia compiuta, ma a mostrare una situazione, un ambiente.

PS: bravissima la Huppert che in ogni film riesce ad essere completamente diversa dal precedente (rimanendo in ambiente Haneke si veda, ad esempio, La pianista).

L'inizio del cammino - Nicolas Roeg (1971)

2011-11-02T03:55:00.000-07:00

(Walkabout)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato. Una ragazza ed il suo fratellino si ritrovano perduti n mezzo al deserto australiano a causa della follia del padre. Dopo una stentata sopravvivenza di qualche giorno incontreranno un giovane aborigeno, senza avere modo di comunicare verbalmente i 3 si metteranno in cammino insieme condividendo tutto.

Un film più sulla comunicazione ed i rapporti tra persone al netto delle sovrastrutture sociali (rappresentate dall’onnipresente rumore di fondo delle trasmissioni radiofoniche) realizzato con un gusto dell’immagine molto anni ’70 ma ancora efficace, con montaggio serrato, dettagli, fermo immagini (inutili), grandangoli e montaggio intellettuale, oltre ad un vero impegno nel descrivere lo scenario australiano ed un maniacale intento programmatico nel mostrare la fauna locale.
Il film non è esattamente un capolavoro, voglio dire, non intrattiene con spensieratezza, ma neppure risulta eccessivamente noioso. Senza che succeda molto si fa seguire senza troppi intoppi… direi che ridefinisce il concetto di noia…

Roeg dal canto suo si impegna a rendere immagini gratificanti in ogni scena, ma non è che in questo riesca molto; il suo vero successo non è quello di riuscire a comunicare con le inquadrature (il film ha pochissimi dialoghi, per lo più inutili), con le single immagini, ma parla attraverso l’accumulo di immagini. Il susseguirsi di paesaggi e animali, di dettagli dei corpi e inquadrature del sole acquisiscono un significato per il reiterarsi in rapporto con il trio di protagonisti.

Ong bak 2, La nascita del dragone - Tony Jaa, Panna Rittikrai (2008)

2011-11-01T02:42:00.001-07:00

(Ong bak 2)

Visto in DVD.
Ok, la storia stavolta cambia radicalmente dai primi film con Tony Jaa, stavolta nessuno ruba il Buddha/elefante a nessuno (c’è giusto un elefante nella battaglia finale), semplicemente Tony Jaa è un ragazzotto combattivo che ammazza i coccodrilli a uso ridere che viene adottato da dei briganti del luogo, ma che ha pure un passato tormentato fatto di famigliari uccisi dell’attuale re e da grandi amori mai sbocciati e bla bla bla.

Veniamo al punto. Se in un film di pacche ci sono poche pacche la cosa è piuttosto grave, ma quel che è peggio è che quelle poche che ci sono siano noiose/ridicole. Questo Ong Bak 2 ha l’indubbio vantaggio di riunire dentro di se tutti questi difetti, uniti ad una storia che non è più solo un pretesto per menare le mani (come era, molto onestamente, nel primo film), ma diventa pretesto per acchiappare fette di pubblico che comunque non andranno a vedere un film del genere.

Per carità è evidente che avevano un pacco di soldi in più, infatti la confezione è decisamente migliorata (il film è, tecnicamente, un film in costume), purtroppo devono aver speso tutto per gli orecchini d’oro dei protagonisti maschile e non è rimasto niente per le coreografie o la fantasia o la voglia di tirare grattoni.

Peccato.

PS: la lavorazione del film è alquanto gustosa, a quanto pare il povero Jaa ha litigato con il suo amichetto di sempre Pinkaew alla fine di The protector; quindi ha fatto armi e bagagli, si è trasferito dal sig. Rittikrai e si mette a girare il seguito di Ong bak. Quello che succede poi è storia; Jaa si sopravvaluta pensa di riuscire a far tutto invece no, da di matto, fugge frignando nella giungla, torna indietro frignando riesce con sforzo e fatica a finire il film… ma dura 4 ore e ha poco capo e poca coda. La produzione lo smezza e decide di fare seduta stante Ong bak 2 e 3 (ciò spiega l’eccezionale finale di questo in cui una voce fuori campo dichiara “Tony Jaa è morto, ma se unirete le vostre menti potrebbe rivivere. THE END. Applausi a scena aperta) e Tony Jaa si chiude in monastero.

Underground - Emir Kusturica (1995)

2011-10-31T02:22:00.000-07:00

(Id.)

Visto in VHS. Una coppia di amici e “partigiani” vivacchiano a Belgrado, finchè i bombardamenti non li convincono a rifugiarsi in un sotterraneo con parenti e amici, uno dei due mantiene i collegamenti con l’esterno. La guerra finisce e Tito sorge, ma il contatto con l’esterno continua a mentire con chi vive nel sotterraneo sostenendo che i nazisti imperversano da 15 anni e convince parenti e amici a costruire armi che lui rivende. La vicenda si protrae tra episodi vari fino alla guerra civile degli anni ’90.

La storia della Jugoslavia dalla seconda guerra mondiale agli anni ’90 realizzata con un’ironia grottesca ed efficace che non si risparmia mai. Descrive una galleria di personaggi antieroici in toto e situazioni surreali anche quando sono verosimili. Il tutto descritto con una surrealtà ed una leggerezza da fare invidia. Tutti questi elementi trasformano la storia martoriata di uno stato in una fiaba favolosa e allegra.

Si insomma questo film è un po il Novecento della Jugoslavia raccontato da Fellini. Kusturica si concede del sentimentalismo solo nel finale in cui racconta la guerra appena finita… direi giustificabile.

Mille le idee e le intuizioni e mille le immagini da ricordare. Oltre alla scena della sposa in volo verso il tavolo del banchetto del matrimonio o il terreno che si stacca dal continente nel finale; voto tra le scene migliori la sequenza della morte del figlio del Nero. E tra le idee voto l’autostrada sotterranea che collega tutta l’Europa.

Punteggiano un film eccellente le interpretazioni azzeccate di tutto il cast e le migliori musiche di Bregovich.

Genuine - Robert Wiene (1920)

2011-10-28T01:20:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx. Una sacerdotessa di un culto oscuro viene rapita e venduta come schiava ad un ricco vecchiotto che la tiene imprigionata in una gabbia dorata per evitare che lei dia sfogo ai suoi inquietanti istinti (nel film al massimo morde la mano allo schiavista… oltre a gesticolare come un’indemoniata). Ma lei, che si chiama per l’appunto Genuine, riuscirà a fuggire e si riavrà della sua cattività con un giovine barbiere e con il nipote del vecchiotto.

Complessivamente uno dei film più confusi che abbia mai visto, anche se va considerato che il film di 44 minuti che ho visto potrebbe essere solo un versione ridotta diffusa per il mondo mentre l’originale (di durata imprecisata) viene conservato

Complessivamente comunque il film è debolissimo dal punto di vista della trama (da sempre elemento di forza di Wiene), annoia senza mezze misure e affascina poco per inventiva. Dall’altra parte abbiamo come unico punto d’interesse le scenografie degli ambienti dove si muove Genuine ed i suoi costumi, entrambi elementi che proseguono il discorso del cinema espressionista, anche se comunque più sottotono rispetto al poco precedente Gabinetto del dottor Caligari.

Comunque un film evitabile senza rimorsi di coscienza.

This must be the place - Paolo Sorrentino (2011)

2011-10-27T01:01:00.000-07:00

(Id.)

Visto al cinema. Una pop star anni ’80 vive in un isolamento d’orato in Irlanda, con la moglie più maschile di lui ed il rimorso per una paio di morti sulla coscienza. Ovviamente la pop star non si è più separata dal suo personaggio di 30 anni prima e gira ancora con trucco, smalto e capelli cotonati; e si trova in uno stato mentale infantile sul modello di Forrest Gump, con una lucidità mentale ed una comprensione delle cose decisamente superiore, molta ironia ed una piacevole dose di cinismo. La morte del padre (ebreo) lo costringerà ad imbarcarsi per gli USA (ha paura degli aerei). Una volta giunto al capezzale cercherà di sopire il rimorso dei decenni passati senza un dialogo con il genitore andando alla ricerca dell’uomo che, ad Auschwitz lo umiliò. Sulla strada maturerà, comincerà a fumare (solo i bambini non sentono il bisogno di fumare), si imbarcherà su un’aereo e una volta tornato a casa riuscirà a venire a patti con il suo aspetto ed il suo passato.

Diciamolo subito; Sorrentino è bravissimo come al solito, gestisce carrelli e dolly meglio di Scorsese, usa il montaggio come un Meyer o un Wes Anderson, ha la solita fotografia chiassosa e brillante e la solita colonna sonora che parla quanto le immagini (canzoni pop rock dagli anni ’70 in poi e musiche originali di David Byrne).

Poi diciamo anche che Sean Penn è eccellente, il personaggio è una macchietta, ma lui gli da uno spessore notevole senza essere mai eccessivo. Quasi non sembra lui.

Detto ciò questo film rispetto ai precedenti è al contempo più canonico e più inconcludente. Più canonico in quanto il protagonista è il solito personaggio alla Sorrentino (alienato, separato dal mondo in un egocentrismo particolare e da tic personalissimi, un freak moderno), che però stavolta ha un’evoluzione vera e proprio, una crescita che in quasi tutti gli altri film non c’era (tranne che ne Le conseguenze dell’amore). Più inconcludente perché è questa l’impressione che mi ha lasciato, il protagonista incontra persone, vive esperienze e visita luoghi che rimangono tutti quanti sullo sfondo, ognuno carico di storie e caratteristiche particolari che servono solo a riempire il film, non ad interfacciarsi con Sean Penn.

Finché c'è guerra c'è speranza - Alberto Sordi (1974)

2011-10-26T00:57:00.000-07:00

(Id.)

Registrato dalla tv. Sordi è un “piazzista” di armi da guerra, arrivista, disposto a tutto pur di vendere, sposato con una donna interessata ai suoi soldi e con figli distanti si getta anima e corpo nella propria professione.

Sorprendente pensare che già negli anni ’70 in Italia si facevano film che definirei alla Reitman, con la descrizione di personaggi spregevoli per ruolo sociale, resi divertenti ed empatici per la loro personalità per nulla positiva, ma descritti comunque umanamente. Questa è l’essenza di questo film di e con Sordi, un uomo vittima del proprio lavoro, disprezzato da tutti quelli che non fanno parte del suo mondo, con colleghi disposti a sbranarsi a vicenda ed una famiglia medio borghese ipocrita e gelida; come non si può non parteggiare per lui? Anche se lui vende armi di morte e non cambia opinione sulla sua professione neppure dopo essere stato vittima dei suoi stessi aerei e dopo aver visto sul campo cosa causano.

Il film sorprende anche perché dentro c’è già tutto; dovendone rifare oggi un remake sarebbe difficile aggiungere un episodio in più per descrivere il personaggio ed il suo mondo; la sceneggiatura già pensa a tutto. Unico neo (oltre ad un certo provincialismo italiano), il ritmo, forse adatto per l’epoca d’uscita, ma oggi piuttosto col freno a mano inserito.

Giustamente famosa la fantastica sequenza finale con lo scontro tra Sordi ed i famigliari indignati dopo aver “scoperto” che lavoro fa.

Basket case - Frank Henenlotter (1982)

2011-10-25T01:50:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato. Non si può descrivere questo film senza spoilerarlo... dunque, tratta di un ragazzo che gira con una cesta chiusa da un lucchetto per New York; dove passa finisce che qualcuno viene ucciso. L'atroce segreto del ragazzo è di essere nato con un gemello siamese deforme e muto (ma parla con la telepatia) che cerca vendetta dei medici che lo operarono a tradimento (per staccarlo dal fratello) e lo lasciarono a morire (evidentemente senza successo).

Spletter low budget per patiti del genere, al suo interno contiene tutto ciò che ci si aspetta da questo genere. Mostruosità esposte, personaggi comici, sangue a bizzeffe, nudi femminili e attori cani ovunque.
Il film diverte ed intrattiene nel modo giusto, con solo qualche momento di stanca nella ripetitività delle scene. Henenlotter da parte sua si muove con la macchina da presa con la libertà di chi ha un budget basso e può fare quello che vuole.

Session 9 - Brad Anderson (2001)

2011-10-24T03:46:00.001-07:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale sottotitolato. Allego qua il link di wikipedia inglese che descrive minuziosamente la trama (pure troppo; attenzione spoiler).

Mi aspettavo un horror e invece non è un horror… e già non si comincia bene.
Il film è più un thriller soprannaturale a cui piace cambiare le carte in tavola spesso; inizia come un Narciso nero, film in cui l’ambiente cambia la personalità, in ambientazione horror; poi vira verso una sorta di Fight club (o almeno in questo modo la si può interpretare) fino a giungere alla conclusione in totale stile Shining.

Il film è un low budget senza effetti speciali e fatto tutto da suspense, ciononostante Anderson ci da dentro con tocchi di classe ed idee visive (in primis la location stessa che è perfetta), dando vita ad una serie di sequenze davvero notevoli (si veda la scena in cui il ragazzo corre cercando di scappare dal buio che si avvicina), il tutto supportato da una camera a mano non persistente (e quindi non disturbante) e una registrazione in digitale che aumenta il realismo generale del film. In definitiva non stiamo parlando di un lavoro epocale del genere horror, ma semplicemente questo film è tutto ciò che The Blair witch project avrebbe voluto essere, ed è pure tutto ciò che "The Blair witch project" avrebbe dovuto essere per essere un film decente.

L'angelo del male - Jean Renoir (1938)

2011-10-21T02:39:00.000-07:00

(La bête humaine)

Visto in DVD.
Un ferroviere (Gabin) con qualche problema in cranio ci prova un po con qulche donna qua e la, purtroppo ha la sfortuna di innamorarsi della moglie di un capo stazione… ma neppure il capo stazione se la passa bene, la moglie (Simon) è troppo giovane per lui ed è molto geloso; d’altra parte lei ha avuto una relazione con il suo ricco padrino… succederà che il capo stazione ucciderà il padrino della moglie, Gabin li vedrà, ma non dirà nulla, preferendo alla giustizia la vicinanza con la donna amata… poi anche Gabin darà di matto…

Film francese che indubbiamente ha il gusto del verismo letterario e che in questo senso gli riesce bene con una regia anti neorealista e calligrafica riesce comunque a mostrare il mondo proletario del basso con una veridicità notevole ecc… però annoia. E pure parecchio. E bisogna pure aggiungere che, complice un doppiaggio che più bianco non si può, anche gli attori appaiono sottotono…

Per carità spiace sempre parlar male di Renoir, ma sarà soprattutto che di recento ho visto Ossessione, dove il binomio amore e morte era trattato in senso verista, ma all’italiana, quindi con un neorealismo che ammazza la costruzione scenografica per rendere realmente il paesaggio e i personaggi dando un senso di passione molto fisico e percepibile… mentre qui tutto è detto e non mostrato a dovere, tutto è pulito e preciso, ma assolutamente freddo… non rende, semplicemente non rende.

Super Vixens - Russ Meyer (1975)

2011-10-20T01:58:00.000-07:00

(Id.)

Visto in VHS. Un ragazzotto di provincia, sottomesso alla moglie ninfomane in una notte di bagordi torna a casa e trova la moglie trucidata da un poliziotto sadico. Fugge per non essere incolpato dell’omicidio imbattendosi in una serie di mogli e figlie anche loro ninfomani (e lui stranamente renitente) con i rispettivi mariti o padri piuttosto violenti. La storia andrà avanti finchè non troverà un nuovo angelo del focolare, ma un caso lo riporterà dalle nelle grinfie dello stesso poliziotto…

Questo film non ha alcuna connessione con il precedente Vixen!, se non per lo stile. Questo film infatti è nel pieno del secondo periodo della produzione di Meyer, fumettistico, iperbolico, esplicito, comico e surreale.

Il mondo descritto ha donne che sono tutte delle sexy tettone, gli uomini sono dei superdotati a livello degli equini, i rapporti sessuali stilizzati e ridicolizzati (oltre che reiterati), al pari degli scoppi di violenza; tutto è cartoonistico (non a caso si chiude con la protagonista nuda su una montagna che dice That’s al folks!).

Lo stile della sceneggiatura (va sottolineato che qui Meyer scrive, dirige, fotografa e monta tutto da solo!) viene bissato dallo stile di regia; tutta la parte iniziale è un montaggio schizofrenico tutto teso ad inquadrare primi piani, dettagli anatomici e oggetti in con una frequenza impressionante. Il taglio delle inquadrature rimane per tutto il film, il ritmo (per fortuna) calerà.
Un film piuttosto godibile (forse il più godibile tra quelli che ho visto di Meyer) nonostante la ripetitività delle sequenze centrali e nonostante il finale allunghi il brodo in maniera imperdonabile.

Per chi ama i rivia di imdb posso aggiungere che Meyer appare in un cameo di un secondo nella parte del tenutario del motel; la scena dell’omicidio nella vasca richiama Psyco; mentre vedendo il personaggio del poliziotto non sono riuscito a non pensare a Scagnetti.

Ossessione - Luchino Visconti (1943)

2011-10-19T01:49:00.000-07:00

(Id.)

Visto in DVD.
Un disoccupato vagabondo entra in una locanda dove si innamora della giovane moglie del più anziano proprietario, ovviamente anche lei ne rimarrà immediatamente colpita. Si ameranno in segreto, progetteranno la fuga, lei desisterà, si divideranno, si rincontreranno e finalmente progetteranno di uccidere il marito e vivere insieme con l’eredità… ovviamente il pentimento ed il rimorso cambieranno radicalmente le cose.

Film tratto dal libro di James M. Cain “Il postino suona sempre due volte” tre anni prima dell’omonimo film americano.

Il film è stupendo, una delle opere prime migliori di sempre; basterebbe solo l’incipit, con un Girotti mai inquadrato in volto e un uso del dolly e della macchina da presa mobile che segneranno tutto il film. Davvero si vede fin da subito l’arte di Visconti.

A dirla tutta il film si perde alla svelta in un chiacchiericcio ad effetto che annoia molto più di quanto affascini, soprattutto nella prima parte. Dopo l’omicidio il ritmo cambia un poco e gli attori ci danno dentro molto di più aumentando il livello, anche se un po di noia continua trasparire. Complessivamente però il film risulta davvero efficace, lugubre e senza scampo come pochi film dell’epoca. Da vedere.

A dangerous method - David Cronenberg (2011)

2011-10-18T01:58:00.000-07:00

(Id.)

Visto al cinema. La storia è quella del rapporto d’amore fra Jung ed una sua paziente e, in disparte, il rapporto fra lo psicanalista svizzero e Freud…

Che dire; Cronenberg non rinuncia ai suoi topoi classici, dalla malattia mentale al sesso visto i chiave grottesca come trait d'union fra le persone e non in ultimo i corpi modificati ed esposti dalla malattia (anche se a onor del vero c’è molta meno carne in questo film rispetto ad un qualunque fotogramma dei suoi titoli passati)…

Beh poi direi anche che lo stile è quello esteticamente impeccabile e asciutto che caratterizza il regista canadese negli ultimi film…

Poi che aggiungere, che i personaggi sono ben delineati e Freud interpretato da Mortensen (che in questo film stranamente non mostra le chiappe) è fantastico. E il rapporto fra i due che da vate e discepolo passa ad un costante e lento raggelarsi fino alla disistima reciprocamente messa nero su bianco è forse la cosa migliore e meglio riuscita di tutto il film…

Poi che altro… mi pare basta; no perché alla fine del film ci si arriva chiedendosi dove volesse andare a parare Cronenberg. Si arriva alla fine di un film splendidamente confezionato che mette sullo sfondo la vicenda umana di ude personaggi di peso magnificamente scritta, ma che non dice nulla, che gira in tondo per un’ora e mezza per poi concludersi con un nulla di fatto. Un’occasione sprecata.

Prova d'orchestra - Federico Fellini (1978)

2011-10-17T04:23:00.000-07:00

(Id.)

Visto in DVD.

Le telecamere della televisione entrano in una sala prove di un’orchestra; intervistano i vari strumentisti, en colgono i motivi che li hanno spinti ad abbracciare la musica e ne mostrano le frustrazioni. Mente il servizio viene finito la situazione deraglia, gli orchestrali si ribellano al direttore fino all’anarchia completa che sfocia nell’isteria collettiva; l’improvviso crollo di una parete e la comparsa di una palla da demolizione riporteranno gli orchestrali all’ordine e li renderanno sempre più ubbidienti nei confronti di un direttore sempre più assolutista.

Metaforone cinematografico dell’Italia dell’epoca dove non è chiarissimo da che parte stia il regista, anche se accusa con dovizia di ironia il sindacato… ma d’altra parte l’opinione di Fellini è secondaria al racconto, come al solito sospeso e sognante. Di per se il film non è fondamentale, ma si lascia vedere per (la durata limitata) la galleria di personaggi tratteggiati e per le descrizioni degli strumenti musicali che ognuno fa per dimostrare il perché sia superiore agli altri.

Kick-ass - Matthew Vaughn (2010)

2011-10-14T02:35:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx. Questo film è tratto da un fumetto che conosco perfettamente dato che una volta ho sfogliato il volume due in una libreria. Dato quanto sono sul pezzo posso subito notare alcune importante differenze fra le due opere:

1) Nella scena della tortura, nel film, non attaccano degli elettrodi ai testicoli di Kick-ass.
2) Nella parte di Red mist (che nel fumetto è un tizio qualunque abbastanza fighetto) c’è
Mclovin!
3) Nel film c’è Nicholas Cage e si mette pure le extension sui baffi!!!

Una della tre differenze soprariportate è uno svantaggio del film, le altre lo migliorano…
Detto ciò il film si inserisce nella fila di fumetti che ragionano sul fumetto supereroico, quindi dopo le opere che ragionano su di se e sulle dinamiche interne (Dark knight) e quelle che mostrano come andrebbero le cose se i fumetti fossero reali (Watchmen), arriva quello che dice come andrebbe se nel mondo un tizio decidesse di chiedersi come andrebbero le cose se i supereroi esistessero… dio che complicato.

Sta di fatto che il film è realizzato benissimo, quasi in ogni ambito, è divertente e ha ritmo; ma soprattutto per la prima volta in occidente unisce ironia e ultraviolenza come se non ci fosse un domani; direi che è tutto quello che si può chiedere.

Il mondo dei robot - Michael Crichton (1973)

2011-10-13T04:11:00.000-07:00

(Westworld)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in inglese.
Una ditta offre una vacanza fuori dal comune. Tre ambienti ricostruiti in tutto (medioevo, Roma antica e ovviamente il vecchio West), anche nelle comparse, che infatti sono robot; quindi l’ospite può fare, letteralmente, ciò che vuole. Tutto sembra magnifico finché i robot (con poco preavviso) non impazziscono senza motivo apparente (come in “Gli uccelli”) e non ammazzano tutti. Poi il protagonista sembra essere l’unico abbastanza sveglio da scappare, ma viene braccato da un gelido Yul Brynner.

Beh, che dire; film scritto e diretto da Crichton, che si dimostra decisamente migliore nella prima parte piuttosto che nella seconda. Da una parte infatti l’idea è buona, non originalissima, ma ben fatta; dall’altra c’è un film totalmente senza ritmo, noioso oltre ogni dire con una lunga scena finale di “caccia” da parte di un robot verso l’ultimo umano… ma senza mai prendere, senza farsi seguire…

L’unico vero motivo di interesse rimane Yul Brynner che interpreta un robot che interpreta Yul Brinner nei panni del capo de “I magnifici sette”.

Inside job - Charles Ferguson (2010)

2011-10-12T03:00:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx in lingua originale sottotitolato in italiano. Uno strepitoso documentario sulla crisi economica del 2008, il background su cui si è instaurata (dagli anni ’40 fino agli anni ’80, il vero inizio della deregulation che avrebbe portato alla crisi), le cause ultime che hanno fatto saltare in aria il sistema, i nomi e i cognomi di alcuni dei colpevoli, il perché lo sono, il come ne sono usciti, le manovre correttive fatte successivamente fino all’attuale gabinetto di Obama che è fato dalle stesse persone che hanno causato il tutto. Il documentario è accompagnato da molte interviste (pochissimi i “responsabili” che hanno accettato di parlare; anzi praticamente nessuno), alcune anche di spicco dal recentemente noto Strauss-Kahn, al quel vecchio bastardo di Soros, alla signorile Lagarde (che dice pure un "Holy cow") fino al misconosciuto primo ministro di Singapore (già, proprio lui, il primo ministro di Singapore, un tizio per il quale non mi prendo neanche la briga di andare a vedere come si chiama).

Il tutto confezionato in un formato molto dinamico che ha lo spirito delle opere di Moore (e quale documentarista contemporaneo non guarda al regista americano quando si mette a dirigere?), senza però averne la personalità o il fantastico lavoro di repertorio (come invece aveva, ad esempio, The corporation), ma non è per forza un difetto.

La cosa che più mi ha colpito però è che, al netto di ciò che è vero e ciò che è esagerazione (ogni documentario porta acqua alla propria tesi, anche se questo mi è sembrata decisamente più credibile, obiettivo e meno enfatico di opere come Capitalism e anzi è anche migliore dal punto di vista espositivo e dettaglio tecnico), tutto sembra chiarissimo. Questo è un documentario che parla di questione tecniche di un mondo a parte che non solo ha termini propri, ma anche figure professionali e modus operandi a sé; e ciononostante i ragionamenti e le spiegazioni risultano digeribili e chiare (magari alla seconda visione). E questo si che è un punto favorevolissimo per un documentario.

PS: No aggiungo solo, per non sembrare un giannizzero senza discernimento che i suoi difetti li ha anche lui; la parte sulla prostituzione e l’uso di droghe nell’alta finanza è puro marketing a sfavore della categoria attaccata, solo una tecnica demagogica di svilimento ed esce del tutto dal tema; ma si fa anche dimenticare in fretta.

PPS: Capitalism (e lo nomino ancora anche perché partono dagli stessi eventi) rimane comunque il migliore fra i due dal punto di vista estetico.

PPPS: E dopo smetto. Non so quali altri documentari fossero in lizza per l’oscar, ma la così, a scatola chiusa, direi che la vittoria di Inside Job è meritata.

Bronson - Nicolas Winding Refn (2008)

2011-10-11T00:32:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in inglese. La storia del più violento carcerato inglese. Tutto qui. Quindi c’è questo tizio che entra in carcere a 19 anni, ci rimane per almeno un quarto di secolo (con un lungo intermezzo in un ospedale psichiatrico) per uscire sulla parola, approfittando della libertà si immerge nel fantastico mondo delle pacche clandestine fino al nuovo arresto.

La storia sarebbe estremamente noiosa, data la ripetitività degli eventi e degli ambienti (non ci sono grani colpi di scena), oltre al fatto che ogni personaggio non è niente di più di una macchietta; ma per fortuna a dirigere c’è Refn.

Refn qui crea la sua cappella sistina; un film dove tutte le scene sono state pensate per essere a se stanti, tutto è estetica e si inserisce perfettamente nel contesto delirante della trama, tutto è costantemente sotteso fra ironia, violenza e introspezione; tutto è un costante inseguire la scena madre fino al finale che più costruito di così era difficile. Ad ogni svolta di trama poi c’è il giusto contrappunto musicale (come sempre in Refn) che va dal pop anni ’80 alla musica classica.

Un encomio pure a Hardy che riesce splendidamente ad interpretare volto e corpo di un personaggio che è descritto in maniera umoristica e mai spiegato fino in fondo; e nonostante questo lo rende credibile.
Bravi tutti.

Una donna nel lago - Robert Montgomery (1947)

2011-10-10T01:20:00.000-07:00

(Lady in the lake)

Visto in Dvx. Nel 1947, tale Robert Montgomery si svegliò tutto in piena notte tutto sudato con l’idea che avrebbe rivoluzionato il cinema: fare un film tutto in soggettiva.

Nel 2011 praticamente nessuno sa chi sia Robert Montgomery e in pochi conoscono questo film, mentre invece i videogiochi creano scene, avvenimenti e intere storie tutte in soggettiva. L’idea di Montgomery di aumentare l’empatia con questa tecnica era fondamentalmente sbagliata visto la staticità di un film che non mi obbliga a vedere ciò che vuole illudendomi del libero arbitrio; un videogioco invece mi permette la visuale in soggettiva per aumentare l’immersione dato che effettivamente dove guardare e cosa fare lo decido io. Si insomma Montgomery quella notte pensò di costruire una casa partendo dal tetto.

Il film è un wannabe noir cupo e romantico con il solito Marlowe come protagonista. La storia non è particolarmente intricata (come sarebbe usuale in Chandler), ne molto interessante; le grandi passioni (dall’amore al sospetto fino al pericolo) sono talmente mal trasmessi che rimane solo una sorta di irritazione di fondo verso tutti i personaggi; come dicevo la soggettiva rende più complessa l’immersione nel mood del film e il cast (con Robert Montgomery in testa, dato che interpreta il protagonista quando viene inquadrato) ha l’espressività di una statua egizia.

Si, il film è brutto, consigliato solo a curiosi e perditempo.

Don't drink the water - Woody Allen (1994)

2011-10-07T02:10:00.001-07:00

(Id.)

Visto in Dvx, in lingua originale con sottotitoli in italiano.
Durante la guerra fredda, tre turisti americani in gita in un, non meglio precisato, paese dell’est. Braccati per sospetto spionaggio finiranno nell’ambasciata USA, in cui il figlio dell’ambasciatore sostituisce il padre che è tornato in patria. Ovviamente una serie di idiosincrasie e di sbagli condurranno fino al lieto fine.

Tratto da un’opera teatrale dello stesso Allen, già portata sullo schermo nel 1969 da Howard Morris con "Come ti dirotto il jet". Quel film però (che non ho visto) deve aver disgustato profondamente Allen, visto che a distanza di una trentina d’anni si sentì in obbligo di farne un remake come film per la tv.

Comunque sia la storia è il classico Woody Allen dei ’60, ironico, ma quasi mai del tutto divertente, che crea situazioni di ambiguità, cita la magia e un paio di altri suoi topoi classici.
Come regia Allen crea una serie di piani sequenza che girano intorno alle scene che si svolgono forse per omaggiare l’origine teatrale del film, o forse solo perché i soldi e il tempo erano pochi.

Il film intrattiene bene anche se non aggiunge nulla al curriculum del regista, va detto che si inserisce come una nota positiva nel declino che stava subendo la produzione di Allen negli anni ’90.

Marnie - Alfred Hitchcock (1964)

2011-10-06T01:43:00.000-07:00

(Id.)

Visto in DVD.
La precisione di Wikipedia ammazza la mia buona volontà nel descrivere la trama... Detto ciò:

Film di Hitchcock che torna a ravanare nella psicanalisi ottocentesca e si permette il lusso di giocare con la grande ossessione del regista per il sesso in maniera diretta (la protagonista è frigida).

Di per se il film funziona, come sempre le opere di Hitchcock e presenta momenti fantastici; dalla scena della festa in cui la macchina da presa parte dal totale dell’ingresso fino al primo piano del sig. Strutt come già in Notorious (ma qui credo che la difficoltà tecnica fosse maggiore); o la silhouette della madre sulla porta della camera da letto di Tippi Hedren, ecc…
Poi c’è un Sean Connery che ci sta proprio nella parte del ricco e romantico tombeur, mentre la Hedren personalmente non la posso sopportare e mi rende irritantissimo il suo personaggio.

Il colpo di scena finale credo sia ben gestito (dico credo perché di questo film, prima di rivederlo, ricordavo solo il finale e non la trama) e credo possa colpire… però; però il film ci mette troppo ad ingranare, per quasi metà del tempo presenta il complesso personaggio della protagonista in una serie di momenti che spesso sfociano nel noioso; il rapporto di coppia fatto si sopraffazione e obblighi che si instaura dopo rende godibilissima la seconda parte ed il mistero attorno al passato della protagonista fa il resto, ma prima di arrivare a quel momento ci si impiega troppo.

Freddy vs. Jason - Ronny Yu (2003)

2011-10-05T00:32:00.000-07:00

(Id.)

Visto in Dvx. Quando qualcuno ha avuto l’idea di fare un film con Freddy Krueger e Jason Voorhees credo gli siano stati dati un paio di schiaffi e sia stato fatto tornare al suo posto a continuare a studiare la geografia… poi però qualcuno a Hollywood deve avere avuto la soffiata e deve aver gridato “Pure io!”. Ed eccoci qua:

Freddy vuol tornare ad uccidere solo che lo può fare solo se la gente ha paura di lui, quindi manda Jason come suo emissario a fare un po di copycatting così che il nome Krueger torni a serpeggiare fra gli adolescentelli. Ecco già l’idea in se, più che brutta è proprio buffa ed è qui il problema il film non è brutto, è buffo (il primo omicidio farà certamente scattare una serie di LOL incontrollati fra i ggiovani).

L’incipit non è malvagio e fa ben sperare, c’è un mix del meglio dei film precedenti di Nightmare che si conclude su due tette di tutto rispetto, ma succede di tutto; sogni che sembrano una via di mezzo fra un Jhorror e The haunting e che non inquieterebbero neppure se fossimo negli anni ’80; c’è un proliferare di maniaci, ai due mostri classici si associa il medico pazzo, aumentando solo la confusione generale; la storia viene buttata avanti a caso con evidenti incongruenze o vere e proprie vaccate; il CG viene utilizzato come fosse l’idea del millennio, ma è pessimamente realizzato; inoltre il regista pensa di essere un genio, fa di tutto, inquadrature particolari, movimenti di camera, ralenty, tutto in maniera talmente casuale da sembrare sempre nel posto sbagliato al momento sbagliato, poi mi sbaglia pure la base del montaggio…

Le cose positive ci sono; sangue a fiumi come se non ci fosse un domani, un ragguardevole WTF con il Freddy-Brucaliffo, l’attore che ha interpretato quel mattacchione del protagonista di Rampage, comicità involontaria come fossimo in un programma della Clerici e poi toh! Quel paio di tette che non ti aspetti (SPOILER, non è vero, te le aspetti); ma il tutto risulta comunque estremamente noioso; che è la cosa peggiore in un film horror.

PS: in una delle innumerevoli idee alternative per il finale doveva pure esserci una comparsata del mostro di Hellraiser, perfettamente in linea con l’idea che più butti su meno si sente il sapore di vaccata.